Estar contigo o no estar contigo

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ASI ESTOY YO

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¿Qué hago ahora contigo?

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a la orilla de la chimenea

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Una canciòn dedicada a las alas del deseo. Der Himmel über Berlin " El cielo sobre Berlin"

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LAS ALAS DEL DESEO DE WIN WENDERS. Para E.N.

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EXAMEN EXTRAORDINARIO

Hola el examen extra se llevará a cabo el día lunes 22 a las 6 de la tarde. Ustedes busquen el salón que les tocará. Estos son publicados enfrente de los trofeos.

Suerte.

TRABAJOS DE DEIDADES

Como recordarán en la unidad cuatro analizamos aspectos del arte mexicano que nos identifican. Analizamos desde el arte prehispánico, colonial y moderno de nuestro país. Una de las actividades consistió en inventar una deidad a la cual debíamos describir sus poderes. Esto para recrear un proceso creativo en la invención artística prehispánica referente a las deidades y analizar la alegoría que contiene cada imagen. En una actividad subsecuente diseñamos un retablo para nuestra deidad. El requisito consistía en reconocer los elementos barrocos que caracterizan a nuestra arquitectura colonial. Claro que siempre considerando nuestra propia inventiva. En este apartado elegí algunos trabajos para que los pudiésemos compartir. Recordemos que el intercambio de propuestas genera ideas que nutren nuestras actividades.

Veamos los trabajos de:
Yemy de la Caridad Flores Martínez

Erika Rodríguez Díaz:

Alexis Gerardo Reyes Espinosa:

Contra la influenza: Flores Laurean Emilio:

Isaí G. Sánchez torres:

Carolina Saavedra Sánchez:

Isaí Sánchez Torres


Omar Jesús Zúñiga Olvera

José Ángel Fuentes Resendiz

Itzel Martínez Arévalo


Alfredo Arámbula Bermudez

Ixchel Arenas Trejo

¿CÓMO NOS EVALUARÁN EL TRABAJO FINAL?

RÚBRICA DE EVALUACIÓN: Recuerden que el trabajo final tiene un valor de 30 puntos de los cuales se repartiran considerando lo siguiente:

Menos de 10 puntos:

• El diseño es inaceptable y falto de interés
• No demuestra un mínimo de creatividad en la composición
• Elige elementos artísticos, más no son característicos de la identidad nacional
• No contiene limpieza en la presentación
• No explica el porqué de la elección de los elementos

10 puntos:

• El diseño es apenas aceptable
• Apenas muestra un intento de creatividad en la composición
• Elige elementos artísticos, más no son característicos de la identidad nacional
• Contiene una regular limpieza en la presentación
• No explica el porqué de la elección de los elementos

15 puntos:

• El diseño es apenas aceptable
• Muestra un intento mínimo de creatividad en composición
• Elige elementos artísticos, más no queda claro que sean característicos de la identidad nacional
• Contiene una regular limpieza en la presentación
• No explica el porqué de la elección de los elementos simplemente los menciona

20 puntos:

• El diseño es aceptable
• Muestra un intento de creatividad en composición y uso de los materiales
• Elige elementos artísticos que considera característicos de la identidad nacional
• Contiene limpieza en la presentación
• Explica el porqué de la elección de los elementos sin precisar ni ser muy claro

25 puntos:

• El diseño es armónico
• Es creativo en composición y uso de los materiales
• Elige elementos artísticos que considera característicos de la identidad nacional
• Contiene una buena limpieza en la presentación
• Explica el porqué de la elección de los elementos

30 puntos:

• El diseño es armónico
• Es creativo en composición y uso de los materiales dándole originalidad al contenido
• Elige elementos artísticos que son característicos de la identidad nacional
• Contiene una excelente limpieza en la presentación
• Explica con claridad el porqué de la elección de los elementos mostrando congruencia en el contenido

EN MEMORIA A MARIO BENEDETTI

Hola. Les publico unos videos de las películas El lado oscuro del corazón 1 y 2 en memoria del gran amigo de los jóvenes de espíritu, el gran poeta uruguayo Mario Benedetti, (en estas películas todos los poemas son de Benedetti), a unos días de su muerte.

Gracias por tus libros y poemas amigo de siempre.

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CLASE 12

Elementos Artísticos de configuración de la identidad nacional.

Por: Luis Antonio Luviano Flores

A partir de esta clase analizaremos los elementos artísticos que configuran nuestra identidad nacional.

Nosotros iremos indagando sobre la importancia de autoconocernos a partir del arte que tenemos a nuestro alrededor. Primordialmente el arte antiguo, el arte colonial y el arte moderno de México.

***RESUMEN DE CLASE***

México, como otras partes del mundo, ha sido cuna de grandes civilizaciones, mismas que han desarrollado quehaceres en diferentes ámbitos como son las ciencias y las artes.

México es reconocido por tres momentos históricos en su desarrollo cultural: el México antiguo, el México colonial y el México nuevo[1]. Sobre el México antiguo ya conocimos su expresión artística; ahora vamos a hablar un poco del México colonial.

La multiplicidad de culturas que proliferaron en nuestro país produjeron diferentes objetos artísticos como fueron la pintura, escultura y la arquitectura. En este último rubro, recordemos las pirámides tan características de nuestro país.

Hay que aclarar que el arte que crearon estas civilizaciones no nació como una expresión meramente estética sino que el objetivo de estas expresiones era representar su concepción sobre el mundo, especialmente su relación con las divinidades, el origen de la vida, representaciones religiosas. Es decir, crearon formas que identificaran aquello que reconocían como existente en su mundo. Por lo tanto, se puede decir que el arte de las antiguas civilizaciones es simbólico[2].

[1] Cfr.- E. Contreras, Expresión y Apreciación Artística. Trillas, 1993, 198 p.
[2] Íd.


ACTIVIDAD EXTRCLASE

En esta ocasión existen variantes de la actividad entre los grupos, ya que algunos eligieron ser evaluados con trabajo final y otros no.
En algunos grupos quedó la actividad de investigar lo que existe detrás del Chaac Mool o de Coatlicue y hacer una entrega con carátula, imagen a media cuartilla y una cuartilla de desarrollo informativo.
En otros quedó el pendiente de elaborar un dibujo de una deidad (un dios) inventado. La entrega requiere de carátula y una cuartilla de desarrollo que contenga los poderes que se le atribuyen a su deidad.

CLASE 10 Y 11

En estas clases hemos llevado a cabo las exposiciones grupales con el tema de "Vanguardias". En lo personal quiero felicitar a los participantes, ya que las reproducciones de obras de artistas vanguardistas, resultaron en su gran mayoría muy interesantes y bien logradas. El contenido temático de las exposiciones fue bueno y logramos a través del diálogo aprender la importancia de conocer estos importantes movimientos artísticos.

LECTURAS DE LA UNIDAD 3

UNIDAD 3 – ARTES LITERARIAS Y ESCÉNICAS

Por: Saraí Torres Robledo.

Anteriormente ya conociste una parte de la clasificación clásica de las artes. Ya revisaste lo que es la pintura, escultura, arquitectura, música y la danza. No obstante, dentro de las artes también se encuentran la literatura y el teatro.

LITERATURA

La palabra literatura viene del latín litterae y significa letras[1]. La manifestación de la literatura son las obras o textos literarios los cuales podemos definirlos como producto de de la actividad verbal humana que se van a diferencias porque poseen las siguientes características:

a) Poseen un valor estético
b) La Función del lenguaje es expresivo (emotivo) y/o estético (poético)
c) El nivel de la lengua a la que recurre es el literario, por lo tanto emplea figuras literarias (como las metáforas, la comparación, etc.)
d) Utiliza un lenguaje connotativo; es decir, que es ampliamente interpretable ya que puede tener diversos significados según la interpretación de cada lector[2].

La literatura se desarrolla a través de tres géneros que son: Épico, Lírico y Dramático. En este momento nos vamos a ocupar de los dos primeros ya que el género dramático lo revisaremos en el siguiente tema.

El género épico viene del latín epicus y del griego epikos[3], lo que quiere decir es que es lo relativo a la epopeya. La literatura épica hace referencia a historias heroicas en donde el héroe se vuelve una especie de arquetipo que representa los valores que deben representar a un pueblo. Un ejemplo es “La IIíada y la Odisea” de Homero.

Al género épico le pertenece la narrativa que significa relatar o contar algo.

El Género lírico adquiere su nombre por el ritmo que producía la lira, la cual era poesía para el canto. En este género predomina la subjetividad ya que expresa los sentimientos más íntimos del autor[4]. Un ejemplo es “No es que muera de amor” de Jaime Sabines.

En el género lírico predomina el empleo de figuras literarias.

No es que muera de amor
Jaime Sabines

No es que muera de amor, muero de ti.

Muero de ti, amor, de amor de ti,

de urgencia mía de mi piel de ti,

de mi alma de ti y de mi boca

y del insoportable que yo soy sin ti.

Muero de ti y de mí, muero de ambos,

de nosotros, de ese,

desgarrado, partido,

me muero, te muero, lo morimos.

Morimos en mi cuarto en que estoy solo,

en mi cama en que faltas,

en la calle donde mi brazo va vacío,

en el cine y los parques, los tranvías, l

os lugares donde mi hombro acostumbra tu cabeza

y mi mano tu mano

y todo yo te sé como yo mismo.

Dentro de cada género podemos encontrar diversas temáticas y formas de redactarlos; por ejemplo: el Cantar del Mío Cid es del género épico por la temática que nos presenta pero está escrito de modo lírico ya que es un poema. De igual forma, dentro de la narrativa podemos encontrar cuentos, novelas, fábulas, leyendas, etc.
Apreciación Literaria
Cuando leemos un texto no sólo entendemos lo que nos está diciendo sino que también lo interpretamos (la imprimimos nuestro propio sentido), por lo que podríamos decir que “…cada lector escribe su propio texto”[5]. No obstante, para la apreciación literaria debemos realizar un escrutinio de todo texto con base a diferentes categorías que nos van a facilitar su comprensión. Los niveles de análisis son:
a) Nivel Informativo
- Información biográfica del autor: La vida de quien escribe los textos van a influenciar la forma en que se desarrollan sus escritos. Por eso es importante que conozcamos la época en la que vivió y qué situaciones de vida pudieron haberlo marcado para escribir de esa forma o sobre esa temática.
- Tema: Conocer de qué nos está hablando la obra literaria.
- Personajes: Qué personajes intervienen en el texto; si son principales, secundarios, antagónicos, etc.
- Contexto Social: Bajo qué contexto fue escrita la obra: si eran tiempos de guerra, si fue escrita en momentos de represión por parte de la iglesia, si fue desenvuelta en algún momento crucial en la definición social de un pueblo, etc.[6]
b) Nivel Ideológico
El segundo nivel de análisis es el Nivel Ideológico, el cuál “…sirve como marco de referencia que tuvo o tiene la obra para representar la realidad”[7]. Es decir, analizamos las ideas que se manifiestan en el texto.
Dentro de las ideas tenemos:
- Idea Principal que es la que está estrechamente relaciona con la temática de la historia. Es el eje de la misma.
- Idea Secundaria es (o son) aquella que podemos encontrar en la historia para reforzar la idea principal pero no son el eje del texto. Dentro de las ideas secundarias podemos encontrar ideas de tipo social (habla de clases sociales, igualdad, juegos de poder), políticas (referente a poder y gobierno, libertad, monarquía, etc.), económicas (referente a condiciones económicas), entre otras.
c) Nivel Estilístico
El tercer nivel de análisis es el Nivel Estilístico, el cual se refiere a los “aspectos cualitativos que el autor deposita en la elaboración de la obra”[8]; es decir:
- Estilo: el sello personal del autor, la forma en que redacta, la ideología que expone (que tiene que ver son su historia de vida), el tipo de palabras que utiliza e incluso la manera en que acomoda las ideas o utiliza la puntuación.
- Ambiente: Es el escenario que se vive en la historia; puede ser de alegría, terror, oscuridad, tensión, etc.
- Espacio: son los lugares donde se desenvuelve la historia.
- Tiempo: es el cómo se desarrolla la historia, si es cronológico o lineal (conforme suceden los hechos), retrospectivo (hace vueltas al pasado) o prospectivo (hace adelantos de lo que va a pasar o visualiza a futuro)
- Apreciación Crítica: aquí hacemos la valoración general de la obra con todos los elementos anteriores. Damos nuestra opinión más allá de “me gustó o no me gustó” sino que aportamos elementos que fundamenten el por qué de lo que aseveramos acerca de la obra literaria.
Como habrás visto, la apreciación de un texto literario va más allá de las primeras expresiones que pudiera desencadenar en nosotros sino que implica meternos en la historia y ver más allá de lo que a simple vista nos está diciendo el texto.
Así tenemos que hay tres géneros literarios que son: Épico, Lírico y Dramático y que para su apreciación, los textos deben ser descompuestos en tres niveles que son: Nivel Informativo, Nivel Ideológico y Nivel Estilístico.




TEATRO
La palabra teatro viene del latín théatrum que significa mirar. Es decir, que es un género literario que ha nacido para ser observado; por eso también se le considera parte de las artes escénicas.
Stanislavski, uno de los especialistas en teatro más reconocidos, afirma que el teatro “…posee la riqueza más grande…para afectar a miles de espectadores a un tiempo y de estimular sus emociones artísticas”[9]. El teatro ilustra la vida con la cual cualquiera se puede identificar: desde el aristócrata hasta el campesino.
¿Cómo está escrita una obra teatral?
Diálogo - Las piezas teatrales son escritas a manera de diálogo y se redactan en primera persona ya que cada parlamento es la viva voz del personaje.
Escenas – Las escenas son divisiones que marcan un cambio de espacio, tiempo o situación en las acciones que se realizan dentro de la obra. Al abrir la escena se anota la ubicación espacial, temporal y condiciones de los personajes.
Acciones y/o acotaciones - Son los movimientos, actitudes, entonación, etc. Que le va a ejecutar el actor. Generalmente se escriben entre paréntesis o en cursivas.
Así como el que escribe cuentos se le llama cuentista, al que hace poemas, poeta. Quien escribe teatro se le llama Dramaturgo.
Al igual que las obras literarias, el teatro puede ser analizado desde las tres categorías que ya revisamos en el tema anterior, ¿las recuerdas? Nos referimos al nivel informativo, ideológico y estilístico.
Como vez, una obra teatral inicia como una obra literaria. Sin embargo, cuando la escenificamos debemos tomar en cuenta otros elementos escénicos que son:
Dirección: La dirección escénica es vital ya que el directo organiza todos los elementos que hacen posible la correcta presentación de la obra teatral.
Actor: Es quien le da vida al personaje que interpreta; éste debe contar con armonía en sus movimientos evitando la monotonía e imprimiendo las características necesarias para la correcta proyección del personaje[10]. Se dice que “el teatro ocurre en la mente del actor”[11].
Escenografía – Corre a cargo del escenógrafo. La escenografía son aquellos elementos que van a recrear el ambiente y el lugar donde se desarrollarán las acciones de los personajes.
Iluminación – Va a ayudar a crear ambientes y tiempos. Si es de día, la iluminación será blanca, si es un atardecer predominarán los naranjas, si es noche o está amaneciendo las tonalidades cambiarán a azules. La iluminación debe ir acorde con el guión y la escenografía.
Vestuario – Es lo que va a vestir al personaje. El actor deberá portarlo como parte de su representación ya que complementa la imagen de éste en sus movimientos.
En caso de que sea parte de la obra también puede ir acompañada de música y/o coreografía (en algunos casos, estos elementos son indispensables cuando se trata de teatro musical).

RESUMEN
El teatro nació para ser contemplado. Dentro de la literatura pertenece al género dramático, por lo que quien escribe teatro recibe el nombre de dramaturgo.
En su estructura literaria puede ser analizado bajo los tres niveles que son: informativo, ideológico y estilístico. No obstante, como parte de las representaciones escénicas debemos tomar en cuenta la dirección de escena, el vestuario, la escenografía, iluminación, proyección escénica del actor, la coreografía y la música. Elementos que le vana dar la forma y lograrán que la historia viva en el escenario.


FUENTES:

GONZÁLEZ, Sonia. Expresión Oral y Escrita II. Éxodo. 2009. 291 p.

AYALA, Leopoldo. Comunicación Oral y escrita. Nuevo Siglo. 2006. 313 p.

MAQUEO, Ana María. Español 2, Lengua y Comunicación. LIMUSA. 2004. 247 p.

ANÓNIMO. Popol Vuh. FCE. 1972. 180 p.

MENTON, Seymour. El Cuento Hispanoamericano. 2007. 9ª edición. 757 p.

SARAMAGO, José. La Isla Desconocida. Punto de Lectura. 2002. 62 p.

BOAL, Augusto. 200 Ejercicios y juegos para el actor y el no actor con ganas de decir algo a través del teatro. CEVA. 121 p.

[1] S. González. Expresión Oral y Escrita II. Éxodo, 2009, p. 15
[2] Cfr.-Ibídem.
[3] L. Ayala. Comunicación Oral y Escrita, Nuevo Siglo, 2006, p. 93
[4] Cfr.-Ibídem.
[5] A. Maqueo. Español 2, Lengua y Comunicación. LIMUSA, 2004, p. 27
[6] Cfr.- S. González. Op. Cit.
[7] Íd. P 78.
[8] S. González, Op. Cit. p. 79
[9] L. Ayala. Op. Cit. p. 178.
[10] Cfr.- A. Boal. 200 Ejercicios y juegos para el actor y el no actor con ganas de decir algo a través del teatro, CEVA, 121 p.
[11] L. Ayala. Op. Cit. p. 180.

LECTURAS DE UNIDAD 2

UNIDAD 2 – ARTES CORPORALES Y AUDITIVAS

Por: Saraí Torres Robledo.

ARTES CORPORALES– La danza

Introducción

Como ya revisamos antes, la expresión artística puede desarrollarse en una multiplicidad de formas. Mismas que se adaptan al momento histórico, alcances, elecciones y gustos de quienes las desarrollan. A la par de las artes plásticas se desarrollaron otras formas de expresarse como la corporal y auditivo.

En la antigüedad, la danza retomaba un carácter ritual – religioso. Las antiguas civilizaciones desarrollaban movimientos sincrónicos y coreografías básicas en pos de la adoración de un Dios o el desarrollo de un ritual (ofrecimiento de ofrendas, peticiones, celebraciones, entre otros).

La danza es tal vez una de las artes más antiguas, no obstante, ha resultado ser un modo de expresión artística difícil de definir tanto para especialistas teóricos, críticos y hasta danzantes, por el contexto mismo en que ésta fue generada.

Mientras unas sociedades la danza sólo era un medio de expresión (simbólico o no), en otras como la egipcia, la danza comenzó a adquirir una connotación más “formal” en la medida en que las técnicas de interpretación fueron haciéndose más elaboradas al grado de que requerir especializarse para cierto tipo de danzas.

La danza “…consiste en mover el cuerpo guardando una relación consciente con el espacio…”[1]. Hasta este momento, todo pareciera indicar que cualquier persona puede bailar, pues siempre que nos movemos al realizar este acto buscamos que haya esa sincronía de nuestros movimientos con la música.

No obstante, este acto adquiere una connotación artística en el momento en que no sólo nos movemos en relación al ritmo sincrónico espacio-música, sino que damos el paso para dotarlo de significados: es decir, aquella significación que los movimientos desatan.

Tras esto último tenemos entonces que una de las definiciones de la danza es el movimiento y la coordinación del cuerpo, peo lo es también la parte interpretativa en la que el ejecutante le da vida o un motivo (significado) a los movimientos que está realizando. ¿Qué motivó al danzante a mover un brazo de tal manera y no sólo el seguimiento de un compás?

La técnica en la danza son todos aquellos recursos corporales (de desarrollo y de ejecución en forma) que le van a dar un valor estético a toda interpretación estética.

Ante lo anterior, podemos establecer que la interpretación conlleva otro nivel de expresión dancística ya que se refleja en el grado de acercamiento o alejamiento entre el público y lo que está comunicando el ejecutante[2].

Para la técnica basta con un entrenamiento constante y arduo en el que el novel ejecutante comienza a, desde la técnica, darle matices Desde que una persona decide estudiar la técnica y empieza a trabajar sobre ella comienza a darle matices a la interpretación; es decir, deja de ser un bailador para convertirse en un bailarín o ejecutante de danza.

La danza es técnica e interpretación, si falta alguna de estas dos características es únicamente baile. No obstante, hay interpretaciones que rebasan la calidad técnica, convirtiéndose en ejecuciones con un peso interpretativo que desplaza el requerimiento formal de lo técnico. Sin embargo, una técnica limpia con falta de interpretación desembocará en un simple espectáculo ‘bonito’[3].

Como ya revisamos, la técnica le va a dar recursos al bailarín para que desarrolle movimientos de manera más estética. Es la técnica lo que le va a dar al bailarín la fuerza, el tipo de cuerpo y de interpretación al ejecutar una coreografía.

La danza clásica se ha configurado como la danza básica (aunque no quiere decir que sea la única) ya que es éste el que da las bases y forma el cuerpo para cualquier interpretación posterior que se quiera realizar.

Dentro del ballet clásico algunas de las técnicas más conocidas son[4]:

-Técnica Rusa- Ésta es la que tiene más años de estudio. Su técnica es la más estructurada y detallada, se busca lo más allegado a la perfección en la ejecución de movimientos. Busca la formación de cuerpos que se diferencien entre los femeninos y masculinos pero éste último se busca que sea más ligero, casi etéreo, sin perder la masculinidad.

- Técnica Americana- Busca que los bailarines tengan fuerza pero haya un equilibrio con la ligereza de sus movimientos. No es tan estructurada como la técnica rusa. Se basan más en la estética de las coreografías que en la fuerza de la interpretación.

-Técnica Cubana- Busca cuerpos muy fuertes ya que incluso, en el caso de las mujeres, su cuerpo tiende a la masculinidad. Interpretaciones con mucha fuerza en los movimientos.

La técnica va a determinar la calidad estética con la que una coreografía es ejecutada, la cuál deberá complementarse con un nivel de interpretación que haga eco del mensaje que se quiere transmitir.

¿Recuerdas algún evento dancístico que hayas visto y te haya llamado la atención por la calidad de sus movimientos y algún otro por el mensaje (sentimientos) que logró transmitirte? Redáctalo en por lo menos media cuartilla y detalla los porqués de tu impresión.


En la danza, la técnica y la interpretación van a responder a una serie de rasgos propios que le dan a cada ejecución una característica específica. Según esta premisa, los géneros dancísticos son los siguientes:

Danzas Autóctonas: Son aquellas danzas que aún se practican en muchas comunidades y que han conservado sus elementos originales: pasos, ritmos, vestimentas, espacios, etc.[5]

Estas danzas no son mero espectáculo ya que forman parte del desarrollo de una cultura. El valor de estas danzas reposa en la tradición y el contenido histórico, social y cultural que éstas encierran.

Danzas Populares: Representan a un sector más amplio que responde a la actividad casi nata de bailar en la que un grupo de personas se reúne para socializar y cohesionar sus relaciones sociales por lo que esta actividad se convierte en un punto de convergencia social.

Según su desarrollo a lo largo de la historia, las danzas populares van recogiendo una serie de características como el por qué de su ejecución, el lugar (campo o ciudad), formas de vida, entre otros que las configura en:

Danzas folklóricas o regionales: La diferencia entre estas danzas y las autóctonas radica en que expresan directamente actitudes existenciales, formas de vida y de organización, así como ideas morales y religiosas[6]. Las danzas folklóricas se refieren a la raíces, es decir, a una historia ligada a un pueblo.

Danzas populares urbanas: Son aquellas que nacen en las ciudades a partir del ‘aclimatamiento’ a los sistemas de vida urbanos. Respondiendo a la dinámica citadina, las danzas urbanas se diferencian de las folklóricas porque son tendientes a la individualización en su ejecución aunque son da fácil proliferación ya que son tendientes a la imitación. Ejemplos de este tipo de danza son la salsa (incluso con sus diferentes modalidades: en línea, casino, fantasía), cumbia (texana), quebradita, polcas incluso el danzón.

Dentro de sus coreografías relatan hechos de su comunidad o país. Un ejemplo de esto son las polcas, mismas que en su inicio se configuraron para burlarse de las personas pudientes de la sociedad mexicana o el caso del folklor ruso, del cual surgió posteriormente el ballet[7].
Por tanto, las danzas folklóricas se vuelven parte de la identidad de un estado o país

Otros géneros dancísticos que se estructuran a partir de la ‘formalización de su técnica’ son: el Clásico, el cuál es la base de prácticamente todas las danzas ya que forma y construye el cuerpo del bailarín. Le da conciencia sobre su cuerpo y de la relación de éste con el espacio el ritmo. Busca el volver al cuerpo etéreo. Es la rama más difícil ya que la técnica debe ser pulcra.

La danza contemporánea es la parte abstracta de la danza en la que los interpretantes buscan darle un significado simbólico a los movimientos corporales. Se abre a la experimentación de ritmos.

Por último, la danza moderna se basa en movimientos más superfluos ya que se centra en el seguimiento del ritmo sin la búsqueda de la justificación de las coreografías.

ARTES AUDITIVAS – La música

La música es la combinación de sonidos y silencios organizados de tal forma que conjuguen armonía, tiempo y ritmo[8].

El músico Claude Debussy[9] se refiere a ella como un total de fuerzas dispersas expresadas en un proceso sonoro que incluye el instrumento, el instrumentista, el creador y su obra. A esta obra se le asigna un valor espacial (textura), temporal (ritmo), témporo-espacial (forma)[10].

Cuando nos acercamos a una obra musical ponemos en prime instancia nuestra sensibilidad auditiva. Captamos el ritmo, la forma en que es presentada, los tonos y aquellos elementos que inmediatamente nos empiezan a remontar a un estado de ánimo o evocación.

¿Te has preguntado por qué una pieza musical despierta en ti recuerdos o vivencias?

Probablemente te hayas identificado con alguna pieza más cercana a tu realidad. ¿Recuerdas la definición de mímesis? Toda obra nos causará mayor o menos impacto dependiendo del grado de mimesis que tenga con nuestra vida diaria.

Nuestras experiencias también van a determinar la forma en que apreciemos una obra musical; por ejemplo: si te encuentras enamorado, vas a sentir una inclinación por escuchar canciones que hablen de amor. Por el contrario, si acabas de sufrir una decepción amorosa, la temática de las canciones que te acompañarán será de desamor.

La música ha servido también como acompañante no sólo de individuos sino del desarrollo de las sociedades. A cada momento histórico ha correspondido el desarrollo de objetos artísticos; la música no es la excepción. Un ejemplo de esto es el desarrollo de la música punk, la cuál tuvo su gestación a mediados de los años 70 junto con el movimiento social del mismo nombre. La característica principal de este género musical eran los compases y composiciones simples y lineales, los cuales fueron evolucionando. La voz era estruendosa y la temática de las letras hacía frente a la rigidez de la sociedad de esa época como parte de la opresión social y cultural que sufrían los jóvenes.

Si analizamos la música actual y la comparamos con la de otras épocas, podemos darnos cuenta que cada momentos histórico marcó el tipo de música y la temática de las canciones.

Otro aspecto que debemos tomar en cuenta cuando apreciamos una pieza musical es la complejidad de la composición, es decir, cómo fue escrita la misma. Como ejemplo podemos escuchar música jazz, género musical en donde impera la capacidad de improvisación interpretativa por sobre la lectura o escritura de partituras. Sin embargo, también se destaca la complejidad interpretativa (y compositiva, ya que sí hay composiciones de este género).

¿Recuerdas alguna pieza musical que te haya impactado por la complejidad de su ejecución? ¿Qué emociones te transmiten estos tipos de piezas?

Con todo esto, podemos darnos cuenta que la música ha influenciado la vida auditiva del ser humano en una multiplicidad de formas. Ya sea como acompañante musical, , como parte de los procesos de cambio de las sociedades e incluso como parte importante de las expresiones simbólicas de pueblos y tradiciones.

Bajo lo anterior podríamos decir que la música cumple con diferentes objetivos: primero, el de acompañar la expresión de emociones y sentimientos, es decir, el comunicar lo que el compositor está sintiendo. Segundo, el de formar parte de las expresiones culturales de una población, tal es el caso de la música regional, en donde la pieza musical forma parte de la identidad de una región. Tercero, como vehículo del cambio, esto es, que la música forma parte de los acontecimientos sociales y muchas veces es portador de ideas transformadoras.


RESUMEN

La música no sólo son sonidos sino la combinación de éstos con el silencio mismo. Para la formación de una melodía contamos con elementos como el espacio, ritmo y tiempo, los cuales se conjugan para crear una relación armoniosa entre las notas.

La música nos acompaña y sirve como vehículo de nuestras emociones. Nos transporta auditivamente a otros momentos de nuestras vidas y nos recrea espacios sonoros diversos según nuestra experiencia y la composición que cada pieza musical tenga.

Podemos identificar que la música es creada para expresión llana de sentimientos, como parte de la expresión cultural o como vehículo ideológico en los cambios sociales. Según sea el caso, cada composición va a adoptar diferentes características tomando en cuenta también al compositor, el género y el cómo se construye o bajo qué cultura se está desarrollando.


FUENTES:

DALLAL, Alberto, Cómo acercarse a la danza. México, Plaza y Valdes, 1992, 154 p.

CANCLINI, Néstor, Arte popular y sociedad en América Latina: teorías estéticas y ensayos de transformación, México, Grijalbo, 1977, 287 p.

ZAMBRANO, Alberto. Bailarín Ejecutante de Danza Contemporánea. Director del Ballet Folklórico Raíces Latinas México. Entrevista realizada el 25 de Enero de 2009.

TORTAJADA, Margarita. Investigadora de Danza del INBA y Catedrática de Historia de la Danza en la escuela Ollin.

ROBLEDO, Angel. Músico. Primera Guitarra del grupo ‘Voces Libres’. Entrevista realizada el 17 de Febrero de 2009

KÜHN, Clemens. Tratado de la forma musical, Barcelona, Labor, 1992, 258 p.

DEBUSSY, Claude. El Señor Corcheta y Otros Escritos. Madrid, Alianza Editorial, 2003, 292 p.
[1] A. Dallal, Cómo acercarse a la danza, México, Plaza y Valdes, 1992, p. 12.
[2] A. Zambrano, Bailarín Ejecutante de Danza Contemporánea. Director del Ballet Folklórico ‘Raíces Latinas’. Entrevista realizada el 25 de Enero de 2009
[3] Ibídem
[4] Ibídem
[5] A. Dallal, Op. Cit. p. 55
[6] Id., p. 63
[7] A. Zambrano, Op. Cit.
[8] A. Robledo. Músico. Primera Guitarra del grupo ‘Voces Libres’. Entrevista realizada el 17 de Febrero de 2009
[9] Cfr.- C. Debussy. El Señor Corcheta y Otros Escritos. Madrid, Alianza Editorial, 2003, 292 p.
[10] Cfr.- C. Kühn. Tratado de la forma musical, Barcelona, Labor, 1992, 258 p.

AVISO IMPORTANTE

A los grupos 2203 2210 y 2215 Se les informa que volvemos a comenzar desde donde nos quedamos. La semana cultural que estaba planeada para este lunes 11 de mayo se pospondrá. Me reuniré con la maestra Francisca Berbotto, quien es jefa de difusión cultural y definiremos la nueva fecha. Esto quiere decir que para la semana que corre tenemos pendiente una actividad extraclase que consiste (hay algunas variantes entre grupos) en llevar dos pares de zapatos o tenis usados (que están para la basura, no importa que estén rotos) y una bolsa de juguetes de soldaditos de guerra por equipo. Les recuerdo que participaremos con un artista en la construcción de una instalación. No se olviden de llevar el material en esta próxima clase puesto que contará como participación en lista.

**Nota: al grupo 2210 del cual soy coordinador de proyecto, les recuerdo que la entrega de su avance es el día miércoles 13 de mayo. No habrá prórroga y repercutirá en su calificación.

DETALLES DE LA EXPOSICIÓN GRUPAL

***NOTA IMPORTANTE*** A los equipos que les tocó el tema de "Hiperrealismo" recomiendo que lo cambiemos por "POP ART". Ya que de Hiperrealismo hay muy poca información y la reproducción costaría mucho trabajo. Pero si ya tenían adelantos lo pueden presentar.

Les informo que el valor de la exposición será de 50 puntos. Recuerden que varios necesitan subir su promedio y esta es una buena oportunidad para lograrlo. A continuación les enlisto una serie de recordatorios básicos para que no los olviden:

a) Para realizar su reproducción de obra, se recomienda que saquen una ampliación al tamaño en un lugar especializado de copias de planos. Una vez que la tengan, pueden llenar de lápiz la parte trasera de la copia y así podrán calcar el dibujo. El color lo podrán igualar con pinturas vinílicas o recortes de papel. Elijan la técnica que les convenga dependiendo de la obra que eligieron.

b) No olviden que su presentación en POWER POINT debe ser sencilla, procurando no insertar texto, sino imágenes que apoyen su exposición. Debe aparecer en primera instancia la imagen original de la obra que reprodujeron, pueden aparecer acercamientos y otras obras representativas de la vanguardia que les tocó.

c)No olviden calcular sus tiempos, ya que cuentan tan sólo con quince minutos y no pueden excederse. Si es posible ensayen la presentación.

d) Deberán entregar dos cuartillas con la información de la obra. Estas deberán tener un soporte rígido, puesto que se emplearán como fichas técnicas en la exposición. Recuerden que al exponerse aparecerán sus nombres.

Abajo les subí el formato oficial de entrega en el que se especifica lo que deben llenar.

****Hagan CLICK en la imagen para ver el formato en grande***

RÚBRICA DE EVALUACIÓN DE EXPOSICIÓN

En las siguientes rúbricas puede apreciarse lo que se valorará de la presentación y su valor. La de arriba es la que llenaré en clase en cada presentación, en esta se encuentra también una valoración individual que se sustenta en la rúbrica de abajo. Recuerden que la exposición vale 50 puntos, suficientes para la mitad de su segundo bloque.

APOYO DE VIDEOS PARA LAS EXPOSICIONES

Los siguientes videos son para reforzar las exposiciónes que presentarán regresando de vacaciones.

Nota*** A quienes les tocó el tema de "hiperrealismo", se recomienda que cambiemos por el tema de: "Pop Art".

IMPRESIONISMO

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EXPRESIONISMO

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EXPRESIONISMO

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FAUVISMO

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CUBISMO

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FUTURISMO

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DADAÍSMO

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SURREALISMO

POP ART

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SUBIR COMETARIO

ACTIVIDAD.
Recuerden que la actividad presente se trata de que suban un comentario del curso que han llevado hasta ahora. Deben agregar un comentario al profesor para que él pueda analizar sus inquietudes y tomarlas en cuenta para mejorar la clase. La expresión es libre y no se tomarán represalias por lo que manifiesten. Tomaré algunos comentarios que pueden publicarse si es que aportan algo importante que puedan observar los demás. Agrega tu nombre y grupo. La actividad es de carácter obligatorio.


SUBAN SU COMENTARIO ALUMNOS DE LOS GRUPOS: 2203, 2210 Y 2215


* Quienes ya lo hicieron con anterioridad no es necesario que lo suman de nuevo, ya fueron anotados en la lista de participación


Hagan Click abajo, en "COMENTARIOS" para que puedan escribir y subirlo.

CLASE 9

En la clase 9 hemos llevado a cabo la evaluación del primer bloque del curso. La hemos realizado de manera individual para evitar cualquier equivocación o dudas referentes a su puntaje. Recuerden ustedes que es la mitad de la calificación del semestre.

En la misma hemos organizado equipos para la exposición de obras de la vanguardia. No olviden checar el blog la semana siguiente, en donde se publicarán los formatos de entrega y la rúbrica de evaluación de exposición. Recuerden que muchos necesitan incrementar su calificación y la exposición les servirá para mejorar su promedio.

CLASE 8

SE HA LLEVADO A CABO LA PRUEBA DE CONOCIMIENTO.

PRUEBA DE CONOCIMIENTO

*** NOTA, RECUERDEN QUE LA PRÓXIMA CLASE SE APLICARÁ UNA PRUEBA DE CONOCIMIENTO. DEBERÁN ESTUDIAR LOS RESÚMENES DE CADA CLASE PARA CONTAR CON EL CONOCIMIENTO BÁSICO. RECUERDEN QUE SERÁ UNA PRUEBA DE ANÁLISIS EN DONDE SE EVALUARÁ, TANTO SU CONOCIMENTO COMO SU CAPACIDAD DE APRECIACIÓN DE OBRAS.****

*** PARA LA APLICACIÓN DE LA PRUEBA SERÁ INDISPENSABLE LLEVAR TRES LÁPICES DE COLOR, ÚNICAMENTE LOS TRES PRIMARIOS.

CLASE 7

EL AUTORRETRATO
Por Luis Antonio Luiviano Flores

Como recordarás, la clase 7 fue una clase en donde analizamos al autorretrato como uno de los ejercicios de análisis más profundos que han realizado los artistas a través del tiempo. Vimos que el autorretrato implica escrutarse el rostro y conocerse hasta tal punto que la expresión que tenga en ese momento el artista, se traduzca en el dibujo o la pintura que aborda. En múltiples pocas pictóricas como el barroco o el renacimiento, una de las costumbres era que el artista se autorretratara dentro de un gran cuadro, para reafirmar su autoría o para dar a entender sus intenciones, como lo hizo Velázquez. Un autorretrato no necesariamente implica un género figurativo, Tampoco implica necesariamente el término asociado a la pintura. Sin embargo analizamos todos los datos que nos puede aportar un autorretrato para su interpretación, como es la visión que tenía el artista de sí mismo, el reflejo del espíritu de su época y cómo era (o es) concebido el artista en su época.

¿CÓMO ME VAN A EVALUAR?

***NOTA IMPORTANTE:
A PARTIR DE LA SIGUIENTE CLASE COMENZARÁ LA REVISIÓN DE CARPETAS DE EVIDENCIAS DE CLASE (cuaderno de notas). SE ELEGIRÁN ALEATORIAMENTE 15 CARPETAS PARA REVISIÓN. **PROCURA ESTAR AL DÍA EN TU CARPETA**

***NOTA IMPORTANTE:

PARA LA CLASE 7 UTILIZAREMOS MATERIALES PARA DIBUJO: LÁPICES Y COLORES (RECICLADOS)**

RÚBRICAS DE EVALUACIÓN

Por: Luis Antonio Luviano Flores

Hola camaradas, seguramente se preguntarán qué criterios emplearé para calificarles sus avances en el proceso de evaluación. En el presente publico una rúbrica (que es un cuadro que utilizamos los profesores como herramienta de evaluación) para que estés al tanto de lo que se toma en cuenta para tus calificaciones.

En primer lugar te presento la rúbrica de evaluación del trabajo de Van Gogh. Recuerda que este es un trabajo de interpretación de obra que ya entregaste y cuyo valor es de 10 puntos. Especifico los puntos que se van sumando de cada hoja. Se considera lo siguiente:

En segundo lugar les presento la rúbrica de criterios de evaluación de sus carpetas de evidencias de clase (cuaderno de notas y evidencias). Esta carpeta es muy importante para tu evaluación ya que vale 40 puntos y se consideran los siguientes criterios:



Si tienen dudad háganmelo saber a travéz de sus comentarios.
Hasta la póxima

CLASE 6

ELEMENTOS MÍNIMOS DE LA COMPOSICIÓN

Por: Luis Antonio Luviano Flores

.

.

En clase resumimos los conceptos que consideramos esenciales de la composición. Fue a través de sus puntos de vista y opiniones que concluimos lo siguiente:

....................................................................................................................................................................
RESUMEN DE LA CLASE 6

El punto: es la unidad mínima del dibujo y de la estructura compositiva. Tomamos en cuenta que el punto no tiene una forma única, sino puede tener múltiples variantes.

La línea: es una sucesión de puntos que en su conjunción mantienen determinada direccionalidad que le distingue entre sus tipos de línea. Estos tipos les otorgamos nombres como: recta, curva, quebrada, horizontal, diagonal etcétera.

La emotividad de la línea: Mencionamos que es posible hablar de una emotividad de las líneas. Esto depende de lo que las líneas puedan hacernos sentir. Tomamos como punto general dos conceptos:

a) Lo estático: determinado entre las líneas horizontales y verticales. Generan estabilidad y quietud.

b) Lo dinámico: determinado entre las diagonales y curvas. Generan inestabilidad y movimiento.

El plano: es el espacio en donde se conjugan las fuerzas compositivas y en donde interactúan todos los elementos de la composición.

La forma: es un área que se encuentra limitada por una línea perimetral. Dependiendo de la direccionalidad de las líneas perimetrales podemos definir las formas como: regulares, irregulares, geométricas, orgánicas, etcétera.

El color: Determinamos dos campos generales del color:

Por un lado el campo que pertenece a la física del color que atiende a la luz, es decir, a los descubrimientos de Newton y Tomas Yung.

Por el otro al campo que le pertenece a la química del color y que atiende a los pigmentos, propuestos por Goethe y su círculo cromático.

.............Colores Luz.....................Colores Pigmento ...........

Del círculo cromático de Goethe desmenuzamos los colores primarios, secundarios y terciaros. Aprendimos además las principales mezclas de color que surgen entre los colores primarios generando los secundarios y terciarios. De ahí comprendimos el contraste complementario de color que se representa en el círculo cromático entre los opuestos.

....................................................................................................................................................................

De esta manera vimos obras de pintura en las cuales el pintor utilizó todos los elementos compositivos en conjunto.

RECUERDA LA ACTIVIDAD EXTRACLASE 6

Realizar una composición con recortes de papel tomando en cuenta:

• equilibrio
• el contraste complementario
• dinamismo
• una figura humana, inmersa en una composición abstracta de color,
  
  

PORTADA DE TRABAJOS

Publicación de la portada oficial para entrega de trabajos:

INSTITUTO POLITÉCNICO NACIONAL

CENTRO DE ESTUDIOS CIENTÍFICOS Y TECNOLÓGICOS 6
“MIGUEL OTHÓN DE MENDIZÁBAL”

Asignatura: Apreciación Artística

TÍTULO DEL TRABAJO QUE SE ENTREGA

GRUPO TAL


Profesor: Luis Antonio Luviano Flores

Alumno: Nombre del alumno empezando por apellidos



México D.F., día, mes, año.

CLASE 5

MUY IMPORTANTE:

La próxima clase necesitaremos hojas de papel de los siguientes colores: Rojo, azul, amarillo, verde, violeta y anaranjado. Necesitaremos también resistol tipo pritt y tijeras.

*Recordarás que hay que imprimir el siguiente texto. La indicación del inicio y fin de impresión la indican los asteriscos*

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TEMA: INTERPRETACIÓN EN LA PINTURA

Por. Luis Antonio Luviano Flores.

Recordarás que vimos que la interpretación es la acción más importante en la apreciación artística. Ahora, dicha interpretación la pondremos en práctica enfrentando algunas obras representativas de la pintura.

Buscaremos modos sencillos de expresión, mas no por ello escasos de profundidad. Inclusive un experto en arte se puede expresar de una manera muy clara y simple sin hacer de lado su interpretación intelectual. Tal es el caso de la Historiadora de arte Susana Woorford, quien se dirige a estudiantes como tú, interesados en las obras de arte de la pintura, y de quien hemos adaptado algunos de sus escritos. Esto para que te des una idea de lo que puede llegar a decir un experto de una obra pictórica y te sirva de ejemplo y de apoyo para lo que puedas expresar en tus actividades. Vamos a elegir cuatro obras de estilos muy diferentes y muy distantes en el tiempo, que la autora contempla en formas muy diversas.

Obra primera:

Figura 1 Pintura de un bisonte en una cueva prehistórica, Altamira (Santander),
15.000-10.000 a. C.

Objetivo de la obra: Esta representación de un bisonte (fig. 1), enérgica y realista, fue pintada hace 15.000 años en el techo de una cueva. Algunos creen que pudo tener una finalidad mágica: la imagen permitiría a su creador (o a su tribu) atrapar y matar al animal representado. En el vudú nos encontramos con un principio de acción similar; se trata de clavar un alfiler en un muñeco que representa a la persona a quien se quiere perjudicar. El pintor rupestre quizás creía que capturar la imagen del bisonte en la cueva les ayudaría a capturar al bisonte mismo.[1]

Momento histórico: Si nos preguntarnos que nos cuenta esta obra de la cultura en la cual se produjo. Seguramente encontraremos que esta obra nos puede decir algo (aunque de un modo bastante impreciso) sobre los hombres primitivos: que eran nómadas y se refugiaban en cuevas; que cazaban animales salvajes y que no construían casas permanentes ni cultivaban los campos.[2]

[1] S. Woodford, Cómo mirar un cuadro, op., cit., pp 7-8
[2] Id., pp. 9-10

Obra segunda:

Figura 2. La resurrección de Lázaro, mosaico, siglo VI, San Apollinare Nuovo, Rávena.

Tema de la obra: La segunda imagen (fig. 2) es muy distinta; es un mosaico precedente de una iglesia Cristiana. Nos resulta fácil identificar su tema, la resurrección de Lázaro. Cuando llegó Jesús, hacía cuatro días que Lázaro había muerto, pero Jesús hizo abrir la tumba y luego, según el evangelio de San Juan:

« Alzó los ojos al cielo y dijo: “Padre… por la muchedumbre que me rodea lo digo, para que crea que tú me has enviado”. Diciendo esto gritó con fuerte voz: “Lázaro, sal afuera”. Salió el muerto, ligados con fajas pies y manos…»
Juan II, 41-4

La imagen ilustra la historia con una maravillosa claridad; vemos que Lázaro «ligados con fajas pies y manos» saliendo de la tumba en la que fue enterrado: vemos a Jesús, vestido de púrpura real, ordenando salir a Lázaro con un gesto expresivo. Junto a él, un representante de «la muchedumbre», ante la cual se ha realizado el milagro, levanta la mano asombrado. La composición de la obra es muy simple; figuras planas y definidas con claridad, representadas sobre un fondo dorado. No es tan enérgica como la pintura de la cueva, pero quienes conocen el tema lo identifican inmediatamente.[1]

Objetivo de la obra: ¿Qué función cumplía esta obra en la decoración de una iglesia? En el siglo VI, cuando se realizó este mosaico, muy poca gente sabía leer. Sin embargo la iglesia quería que el máximo número de personas aprendiesen las enseñanzas de los Evangelios. Así lo explicó el papa Gregorio Magno: «Las imágenes pueden ser para los iletrados lo mismo que la escritura para quienes saben leer.» Es decir, la gente sencilla podía conocer detalles de las Santas escrituras simplemente mirando representaciones tan comprensibles como esta.[2]

Momento histórico: El mosaico cristiano del siglo VI refleja una cultura paternalista, en la cual los ilustrados intuían a las masas ignorantes. Nos explica que en los primeros tiempos de la Cristiandad era importante contar las historias sagradas del modo más claro posible, para que la gente pudiera captar el significado de esta religión relativamente nueva.[3]

Grado de mímesis (figuración o abstraccción): Quien realizó el mosaico medieval, pretendió contar una historia bíblica con la mayor viveza posible. No hizo que sus figuras apareciesen tan redondeadas y naturales como, por ejemplo, las de Bronzino (fig. 3), sin embargo se preocupó por que las figuras principales, las de Cristo y Lázaro, fuesen fácilmente reconocibles, y situó el gesto simbólico de Cristo en el centro de la imagen, aislado y recortado contra el fondo. El artista perseguía la claridad ante todo, evitaba cualquier indicio de ambigüedad, y la complejidad y la confusión de lo que nosotros consideramos apariencias naturales a él podían parecerle únicamente una distracción.[4]

[1] Id., p. 8
[2] Ibídem
[3] Id., pp. 10-11
[4] Id., pp. 11-12

Obra tercera:

Figura 3. Agnolo Bronzino (italiano, 1503-1572) Alegoría (llamada Venus, Cupido, la Locura y el Tiempo), ca. 1546 (146 x 116 cm.). National Gallery, Londres

Tema de la obra: Observemos ahora una pintura al óleo del pincel de Bronzino (fig. 3), el sofisticado pintor del siglo XVI. En ella aparece Venus, la diosa pagana del amor, a quien su hijo, el joven Cupido alado, abraza de manera muy sugestiva y erótica. A la derecha del grupo central vemos a un niño con cara de felicidad que, según los tratadistas, representa el Placer. Detrás suyo vemos una extraña muchacha vestida de verde y observamos con sorpresa que bajo el vestido su cuerpo presenta forma de serpiente enroscada. Probablemente simboliza el Engaño, una cualidad desagradable —de aspecto encantador pero detestable bajo la superficie— que suele acompañar al Amor. A la izquierda del grupo central aparece una vieja bruja rabiosa, mesándose los cabellos. Representa los celos, esa mezcla de envidia y desesperación que también con frecuencia acompaña al Amor. En la parte superior vemos dos figuras levantando una cortina que, al parecer, ocultaba la escena. El hombre es el Padre Tiempo quien advierte de las muchas complicaciones que acechan a este tipo de amor lujurioso aquí representado. La mujer situada frente a él a la izquierda sea interpreta como la Verdad; es quien desenmascara la difícil combinación de terrores y placeres que, inevitablemente, comportan los dones de Venus.[1]

Objetivo de la pintura: El cuadro comunica, por tanto, una máxima moral: que los celos y el engaño pueden ser los acompañantes del amor, del mismo modo que lo es el placer. Pero este mensaje moral no nos llega llana y directamente como el episodio de la resurrección de Lázaro (fig. 2). Sino por medio de una compleja y oscura alegoría que utiliza el sistema de personificaciones. El objetivo de esta pintura no era narrar lúcidamente una historia para los iletrados, sino intrigar a un público muy erudito y en cierto modo jugar con él. La obra fue ejecutada por el Gran Duque de Toscana y éste lo regaló a Francisco I Rey de Francia. Era, por tanto, una pintura pensada para entretener y edificar a una minoría cultivada.[2]

Momento histórico: La alegoría de Bronzino, nos da mucha información sobre una sociedad cortesana, refinada intelectualmente, quizás incluso hastiada, que gustaba de acertijos y adivinanzas y que inventaba sofisticados juegos por medio del arte. [3]

La composición: Si Contemplamos el modo en que se utilizan formas y colores para crear estructuras dentro de esta alegoría de Bronzino, podemos observar que el grupo principal de figuras, Venus y Cupido, forma una «L» de tonos pálidos siguiendo la forma del marco del cuadro. Notamos después que el pintor ha equilibrado este grupo en forma de L con otro, esta vez en forma de L invertida, compuesto por la figura del niño que simboliza el Placer y la cabeza y el brazo de Padre Tiempo. Estas dos «eles» forman un rectángulo que enclava firmemente la representación dentro del marco, y así queda asegurada la estabilidad de esta composición, por otro lado muy compleja.[4]

Imagen descriptiva de la composición

Veamos ahora otros dos aspectos del diseño de la misma obra. Notamos que todo el espacio está ocupado por objetos o figuras; no hay lugar para que la vista descanse. Esta incansable actividad de formas a través de todo el cuadro está relacionada con el espíritu y el tema de la obra: la agitación y la falta de decisión. El amor, el placer, los celos y el engaño están todos enredados en una estructura complicada formal e intelectualmente.[5]

El artista ha pintado figuras de perfiles fríos y duros, y de superficies tersas y redondeadas; casi parecen de mármol. La sensación de dureza y frialdad está intensificada por los colores que utiliza: casi exclusivamente colores azules claros y blancos de nieve, con pinceladas de verde y azul más oscuro (el único color cálido es el rojo de almohadón en donde se arrodilla Cupido). Toda esta frialdad y dureza es opuesta a lo que normalmente asociamos con la actividad sensual que ocupa el centro del cuadro. Con este procedimiento, un gesto de amor o de pasión, generalmente tierno o ardiente, aparece representado aquí como algo calculado y glacial.[6]

Se establece una especie de tensión entre formas y colores por un lado el tema por el otro; tensión que está en consonancia con la idea paradójica, quizás ligeramente irónica, que hay detrás de la alegoría representada.

Un análisis formal sobre el diseño de un cuadro suele ayudarnos a comprender mejor su significado y a percibir algunos de los recursos que el artista utiliza para conseguir los efectos deseados.[7]


[1] Id., pp. 8-9
[2] Id., p. 9
[3] Id., p. 11
[4] Id., p. 12
[5] Ibídem
[6] Id., pp. 12-13
[7] Id., p. 13

Obra cuarta:

Objetivo de la pintura: Finalmente, miremos un cuadro de nuestra propia época, obra del pintor norteamericano Jackson Pollock (fig. 4). No localizamos en él ningún aspecto reconocible del mundo que nos rodea. [No debemos intentar encontrar figuras en las manchas]. No hay ningún bisonte que capturar, ninguna historia religiosa que contar, ninguna compleja alegoría que desenmarañar. En cambio, deja constancia de la acción del propio pintor arrojando pintura al enorme lienzo para crear esta estructura abstracta, animada y apasionante. ¿Cuál es el propósito de tal obra? Su intención es poner de manifiesto la actividad creativa y la evidente energía física del artista. Informando así al observador de la acción de su cuerpo y su mente en el momento de emprender la producción de una pintura.[1]

Momento histórico: Esta pintura nos comunica algo sobre la gente de esa época (siglo XX) en la cual se valorara la visión personal o la acción única de un artista concreto; en una época que parece rechazar los valores tradicionales de las clases privilegiadas y que estimula a los artistas a expresarse con libertad y originalidad.[2]

Grado de mímesis (figuración o abstracción): Recordemos que el parecido con la naturaleza ha sido con frecuencia un elemento clave y un reto para el artista, especialmente en la Antigüedad clásica (ca. De 600 a. C. a 300 d. C.) y desde la época del Renacimiento (que comienza en el sigo XV) hasta los inicios del siglo XX. Realizar cuadros que perezcan convincentemente reales presenta fascinantes problemas, y muchas generaciones de artistas se han dedicado a resolverlos con gran imaginación e interés. Pero no fue siempre esta inquietud que dominó la mente del artista. Muchas veces no sirve de nada aplicar a un cuadro nuestros propios criterios de naturalismo, porque quizás no fueron estos los criterios por los que se regía el artista en su trabajo.

Del mismo modo, tampoco habría que juzgar en relación con el parecido con la naturaleza al artista moderno que creó la figura 4, y que pretendía expresarse tan vigorosamente en su pintura por que ese criterio no le preocupaba en lo más mínimo. Pollock intentaba comunicar un aspecto de sus sentimientos y no deseaba reproducir su entorno visual. [Por ello esta obra no posee grado de mímesis, decimos entonces; que es una obra abstracta].

Por tanto, aunque tengamos derecho a interrogarnos si un cuadro se parece o no a la realidad, debemos tener cuidado y evita hacerlo cuando la pregunta pueda ser intrascendente.[3]

*Tomado de: Woodford, Susan, Cómo mirar un cuadro, Barcelona, Gustavo Gilli : Círculo de lectores, 1985, 115 p.

[1] Id., p. 9
[2] Id., p. 11
[3] Id., p. 12

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ﻚRECUERDA TU ACTIVIDAD EXTRACLASEﻚ

Referente a la obra de Vincent Van Gogh “el cielo estrellado”: se deberá realizar una análisis interpretativo del momento histórico de realización de la obra tomando en cuenta lo siguiente:

1. Hoja uno: Carátula
2. Hoja dos: Imagen a color de la obra e incluir, en media cuartilla, información de la vida del artista
3. Hoja tres: Hablar de la corriente artística a la que pertenece y mencionar sus características relacionándolas con la obra.