Alumnos del grupo 2210 del cual soy coordinador de proyecto aula. Les aviso que la repartición de bibliografías queda tal cual acordamos el día miércoles. Les recomiendo buscar en las principales bibliotecas de la ciudad y busquen ayuda de la gente que está para apoyarlos en cada biblioteca. Si cada equipo está conformado por cuatro integrantes divídanse los lugares y vayan en parejas para que haya más posibilidades de hallar las fuentes.
NOTA: A los equipos que faltaron de fuentes ya les encargaré una actividad en la semana por ahora pueden apoyar a sus compañeros en la localización de fuentes.
Hasta pronto y suerte y ánimo en su búsqueda.
viernes, 19 de febrero de 2010
CLASE 4
TEMA: ARTE Y CULTURA
Por: Luis Antonio Luviano Flores
Para hablar de cultura necesitamos hablar de productos culturales, que son aquellos hechos por el hombre y son los que nos sirven para ubicar al arte entre los mismos. Debemos contemplar que la cultura puede ser material o espiritual.
La cultura material atañe a productos destinados a satisfacer las necesidades básicas humanas, sus vías son los elementos meramente objetivos que hayamos en el área tecnológica[1]
La cultura espiritual se encarga del lado misterioso de la vida. Curiosamente siempre tendemos a relacionar lo espiritual con lo meramente religioso. Sin embargo en el presente curso siempre atenderemos al espíritu, donde haya conocimiento. Por ello la cultura espiritual se encamina a los bienes destinados a cultivar nuestra conciencia. Sus vías pueden ser elementos objetivos o subjetivos. Podemos determinarla como conocimiento humano y puede dividirse en científica y estética.
La cultura científica está constituida por el conocimiento orientado a la razón, la lógica y las matemáticas. Su estructura es objetiva.
La cultura estética se expresa a través de las artes y se relaciona con la sensibilidad, que tiene que ver con la posibilidad de expresar o de manifestar de una manera propia, a través de los sentidos, las emociones, ideas y sentimientos. Atiende al lado misterioso del mundo. La religión está próxima a esta cultura. Su estructura es subjetiva.[2]
Como verás la cultura estética se encuentra a la par de la cultura científica, aunque en ambas existan diferencias entre los elementos que las componen; objetivos y subjetivos; debemos destacar que en ambas culturas el fin común es el conocimiento humano y su conciencia. Aunque sus vías parecieran opuestas no lo son en realidad. El sentimiento de búsqueda y de curiosidad del científico, es el mismo sentimiento de curiosidad del artista. Ambos logran aportar a la Humanidad sabiduría, aún con sus diversos medios. ¿Te habías dado cuenta de la relación entre el arte y la ciencia?
Para ahondar en el estudio del arte, debemos hablar ahora de lo que es la cultura estética.
TEMA: LA ESTÉTICA
El término estética se deriva de la palabra griega aisthesis, que significa sensación, conocimiento obtenido a través de la experiencia sensible. Hoy en día lo relacionamos con la rama de la filosofía que se ocupa de analizar y resolver todas aquellas cuestiones relativas a la belleza, al gusto y al arte en general. Es, por tanto, una ciencia de lo bello o una filosofía del arte. [1]
La cultura estética es el sistema de valores en la cual se orientan nuestra sensibilidad. Es decir, hay una sensibilidad estética que depende de los valores estéticos, también llamados categorías estéticas, que son las siguientes:
La belleza y la fealdad.
Lo trágico (o lo dramático) y lo cómico.
Lo sublime (o lo grandioso) y lo trivial.
Lo típico y lo nuevo.
Lo irónico y lo grotesco.
Cuando decimos esto es bello o ¡qué trágico! estamos ejercitando nuestra sensibilidad estética, o sea, estamos aplicando nuestro sistema de valores o categorías que es propio de cada persona.[3]
Claro que, debemos tomar en cuenta que cada sociedad o país pose su sistema de valores estéticos como resultado de la convivencia humana y de los efectos de la naturaleza, de las tradiciones y de las normas colectivas. [4]
No es lo mismo, por ejemplo; lo que es bello para las tribus africanas, puede ser feo para nosotros, sobre todo si ese algo no estamos acostumbrados o nunca lo habíamos visto. Sin embargo nuestra cultura estética puede cambiar si conocemos más de aquellas culturas y posteriormente entendemos lo que para ellos es bello.
[1] J. Acha, Expresión y Apreciación Artística, México, trillas, 2ª ed., 1994, p. 30
[2] Id., p. 31
[3] Id., p. 34
[4] Ibídem
Lo mismo pasa con nuestro día de muertos, pues aunque nosotros estamos acostumbrados a ver ofrendas, calaveras, catrinas y nos resulta típico, puede resultar nuevo o trágico para un europeo. Por ello debemos de entender que la cultura estética se encuentra encarnada con nuestro lugar de origen, y que entre más nos cultivemos, aprenderemos a ver con nuevos ojos lo que antes nos resultaba feo, trágico o inclusive nos daba risa por nuestra ignorancia. Por ello debemos considerar estas vinculaciones con las obras de arte, con el artista y con la sociedad que la produjo para que las podamos entender y analizar.
La experiencia estética
Lo que podemos llegar a sentir frente a una obra de arte lo denominamos como experiencia estética; esta experiencia puede instalarlos, por así decirlo, en otro universo, en otro tiempo y espacio.
Seguramente te ha llegado a pasar que, te encuentras un tanto aburrido en casa y enciendes tu equipo de sonido. Cuando escuchas alguna melodía, puedes transportarte a otros espacios. Puedes entrar en un estado completamente distinto al que te que encontrabas. La experiencia estética tiene que ver con este estado que puede alcanzar distintos niveles de profundidad. Dependiendo de las características de la obra y de la capacidad de alcance que podamos tener frente a ella.
La experiencia estética es el modo más profundo de sentir ante una obra. Provoca nuestra atención profunda, produce una actitud de atención desinteresada, implica un descubrimiento activo, desencadena un sentimiento de liberación, y todo ello pone en juego la integridad de nuestras facultades perceptivas.[1]
Todas estas características pueden llevarse en una profunda unidad que abarca por completo el objeto estético.
Después de la experiencia estética, podemos emitir un juicio acerca de a la obra de arte. Para ello interviene nuestro propio juicio de gusto, en primera instancia; que tiene que ver con lo que simplemente nos gusta o nos desagrada. A la vez, interviene nuestro juicio estético; que tiene que ver con nuestra experiencia y conocimiento, y por tanto será un juicio más avanzado, ya que tenemos más herramientas para poder opinar. Esto implica lo que hablamos, expresamos y sentimos de una obra determinada, y que depende de lo que somos a nivel social y sociocultural. Seguramente que nuestro juicio cambiará y se incrementará nuestra cultura estética conforme aprendamos más en el presente curso.
[1] R. Ivelic, K., Fundamentos par al comprensión de las artes, op., cit., pp. 17-23
..................................................................................................................................................................
RESUMEN
Todo conocimiento implica un crecimiento de nuestro espíritu. Por ello hemos denomindo cultuta espiritual a la cultura científica y artística; ya que ambas atañen al conocimiento humano.
La estética es una rama de la filosofía que reflexiona sobre la esencia y la percepción de la belleza y del arte; su finalidad es analizar los modos de percepción de las cosas.
No existen parámetros para determinar las cosas bellas de las que no lo son. Cada persona utiliza su juicio para definir las cosas y las obras artísticas.
La cultura estética es el sistema de valores en la cual se orientan nuestra sensibilidad. Es decir, hay una sensibilidad estética que depende de los valores estéticos, también llamados categorías estéticas, que son las siguientes:
1. La belleza y la fealdad.
2. Lo trágico (o lo dramático) y lo cómico.
3. Lo sublime (o lo grandioso) y lo trivial.
4. Lo típico y lo nuevo.
5. Lo irónico y lo grotesco
La experiencia estética trata de lo que podemos llegar a sentir frente a una obra de arte y puede instalarlos, en otro tiempo y espacio.
La experiencia estética es el modo más profundo de sentir ante una obra. Provoca nuestra atención profunda, produce una actitud de atención desinteresada, implica un descubrimiento activo, desencadena un sentimiento de liberación, y todo ello pone en juego la integridad de nuestras facultades perceptivas.
Después de la experiencia estética, podemos emitir un juicio de gusto, que tiene que ver con lo que simplemente nos gusta o nos desagrada. A la vez, interviene nuestro juicio estético; que tiene que ver con nuestra experiencia y conocimiento, y por tanto será un juicio más avanzado, ya que tenemos más herramientas para poder opinar.
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Recuerda la Actividad extraclase 4
Tomando en cuenta las categorías estéticas, Realiza con la técnica de collage un trabajo que contenga una de ellas con su opuesta. En este caso busca imágenes en revistas que ejemplifiquen cada categoría que elegiste. En la parte inferior de cada imagen pon el nombre de la categoría estética que representa. No olvides anexar al trabajo tu nombre completo y tu grupo.
Por: Luis Antonio Luviano Flores
Para hablar de cultura necesitamos hablar de productos culturales, que son aquellos hechos por el hombre y son los que nos sirven para ubicar al arte entre los mismos. Debemos contemplar que la cultura puede ser material o espiritual.
La cultura material atañe a productos destinados a satisfacer las necesidades básicas humanas, sus vías son los elementos meramente objetivos que hayamos en el área tecnológica[1]
La cultura espiritual se encarga del lado misterioso de la vida. Curiosamente siempre tendemos a relacionar lo espiritual con lo meramente religioso. Sin embargo en el presente curso siempre atenderemos al espíritu, donde haya conocimiento. Por ello la cultura espiritual se encamina a los bienes destinados a cultivar nuestra conciencia. Sus vías pueden ser elementos objetivos o subjetivos. Podemos determinarla como conocimiento humano y puede dividirse en científica y estética.
La cultura científica está constituida por el conocimiento orientado a la razón, la lógica y las matemáticas. Su estructura es objetiva.
La cultura estética se expresa a través de las artes y se relaciona con la sensibilidad, que tiene que ver con la posibilidad de expresar o de manifestar de una manera propia, a través de los sentidos, las emociones, ideas y sentimientos. Atiende al lado misterioso del mundo. La religión está próxima a esta cultura. Su estructura es subjetiva.[2]
Como verás la cultura estética se encuentra a la par de la cultura científica, aunque en ambas existan diferencias entre los elementos que las componen; objetivos y subjetivos; debemos destacar que en ambas culturas el fin común es el conocimiento humano y su conciencia. Aunque sus vías parecieran opuestas no lo son en realidad. El sentimiento de búsqueda y de curiosidad del científico, es el mismo sentimiento de curiosidad del artista. Ambos logran aportar a la Humanidad sabiduría, aún con sus diversos medios. ¿Te habías dado cuenta de la relación entre el arte y la ciencia?
Para ahondar en el estudio del arte, debemos hablar ahora de lo que es la cultura estética.
TEMA: LA ESTÉTICA
El término estética se deriva de la palabra griega aisthesis, que significa sensación, conocimiento obtenido a través de la experiencia sensible. Hoy en día lo relacionamos con la rama de la filosofía que se ocupa de analizar y resolver todas aquellas cuestiones relativas a la belleza, al gusto y al arte en general. Es, por tanto, una ciencia de lo bello o una filosofía del arte. [1]
La cultura estética es el sistema de valores en la cual se orientan nuestra sensibilidad. Es decir, hay una sensibilidad estética que depende de los valores estéticos, también llamados categorías estéticas, que son las siguientes:
La belleza y la fealdad.
Lo trágico (o lo dramático) y lo cómico.
Lo sublime (o lo grandioso) y lo trivial.
Lo típico y lo nuevo.
Lo irónico y lo grotesco.
Cuando decimos esto es bello o ¡qué trágico! estamos ejercitando nuestra sensibilidad estética, o sea, estamos aplicando nuestro sistema de valores o categorías que es propio de cada persona.[3]
Claro que, debemos tomar en cuenta que cada sociedad o país pose su sistema de valores estéticos como resultado de la convivencia humana y de los efectos de la naturaleza, de las tradiciones y de las normas colectivas. [4]
No es lo mismo, por ejemplo; lo que es bello para las tribus africanas, puede ser feo para nosotros, sobre todo si ese algo no estamos acostumbrados o nunca lo habíamos visto. Sin embargo nuestra cultura estética puede cambiar si conocemos más de aquellas culturas y posteriormente entendemos lo que para ellos es bello.
[1] J. Acha, Expresión y Apreciación Artística, México, trillas, 2ª ed., 1994, p. 30
[2] Id., p. 31
[3] Id., p. 34
[4] Ibídem
Lo mismo pasa con nuestro día de muertos, pues aunque nosotros estamos acostumbrados a ver ofrendas, calaveras, catrinas y nos resulta típico, puede resultar nuevo o trágico para un europeo. Por ello debemos de entender que la cultura estética se encuentra encarnada con nuestro lugar de origen, y que entre más nos cultivemos, aprenderemos a ver con nuevos ojos lo que antes nos resultaba feo, trágico o inclusive nos daba risa por nuestra ignorancia. Por ello debemos considerar estas vinculaciones con las obras de arte, con el artista y con la sociedad que la produjo para que las podamos entender y analizar.
La experiencia estética
Lo que podemos llegar a sentir frente a una obra de arte lo denominamos como experiencia estética; esta experiencia puede instalarlos, por así decirlo, en otro universo, en otro tiempo y espacio.
Seguramente te ha llegado a pasar que, te encuentras un tanto aburrido en casa y enciendes tu equipo de sonido. Cuando escuchas alguna melodía, puedes transportarte a otros espacios. Puedes entrar en un estado completamente distinto al que te que encontrabas. La experiencia estética tiene que ver con este estado que puede alcanzar distintos niveles de profundidad. Dependiendo de las características de la obra y de la capacidad de alcance que podamos tener frente a ella.
La experiencia estética es el modo más profundo de sentir ante una obra. Provoca nuestra atención profunda, produce una actitud de atención desinteresada, implica un descubrimiento activo, desencadena un sentimiento de liberación, y todo ello pone en juego la integridad de nuestras facultades perceptivas.[1]
Todas estas características pueden llevarse en una profunda unidad que abarca por completo el objeto estético.
Después de la experiencia estética, podemos emitir un juicio acerca de a la obra de arte. Para ello interviene nuestro propio juicio de gusto, en primera instancia; que tiene que ver con lo que simplemente nos gusta o nos desagrada. A la vez, interviene nuestro juicio estético; que tiene que ver con nuestra experiencia y conocimiento, y por tanto será un juicio más avanzado, ya que tenemos más herramientas para poder opinar. Esto implica lo que hablamos, expresamos y sentimos de una obra determinada, y que depende de lo que somos a nivel social y sociocultural. Seguramente que nuestro juicio cambiará y se incrementará nuestra cultura estética conforme aprendamos más en el presente curso.
[1] R. Ivelic, K., Fundamentos par al comprensión de las artes, op., cit., pp. 17-23
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RESUMEN
Todo conocimiento implica un crecimiento de nuestro espíritu. Por ello hemos denomindo cultuta espiritual a la cultura científica y artística; ya que ambas atañen al conocimiento humano.
La estética es una rama de la filosofía que reflexiona sobre la esencia y la percepción de la belleza y del arte; su finalidad es analizar los modos de percepción de las cosas.
No existen parámetros para determinar las cosas bellas de las que no lo son. Cada persona utiliza su juicio para definir las cosas y las obras artísticas.
La cultura estética es el sistema de valores en la cual se orientan nuestra sensibilidad. Es decir, hay una sensibilidad estética que depende de los valores estéticos, también llamados categorías estéticas, que son las siguientes:
1. La belleza y la fealdad.
2. Lo trágico (o lo dramático) y lo cómico.
3. Lo sublime (o lo grandioso) y lo trivial.
4. Lo típico y lo nuevo.
5. Lo irónico y lo grotesco
La experiencia estética trata de lo que podemos llegar a sentir frente a una obra de arte y puede instalarlos, en otro tiempo y espacio.
La experiencia estética es el modo más profundo de sentir ante una obra. Provoca nuestra atención profunda, produce una actitud de atención desinteresada, implica un descubrimiento activo, desencadena un sentimiento de liberación, y todo ello pone en juego la integridad de nuestras facultades perceptivas.
Después de la experiencia estética, podemos emitir un juicio de gusto, que tiene que ver con lo que simplemente nos gusta o nos desagrada. A la vez, interviene nuestro juicio estético; que tiene que ver con nuestra experiencia y conocimiento, y por tanto será un juicio más avanzado, ya que tenemos más herramientas para poder opinar.
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Recuerda la Actividad extraclase 4
Tomando en cuenta las categorías estéticas, Realiza con la técnica de collage un trabajo que contenga una de ellas con su opuesta. En este caso busca imágenes en revistas que ejemplifiquen cada categoría que elegiste. En la parte inferior de cada imagen pon el nombre de la categoría estética que representa. No olvides anexar al trabajo tu nombre completo y tu grupo.
domingo, 14 de febrero de 2010
CLASE 3
ELEMENTOS MÍNIMOS DE LA COMPOSICIÓN
Por: Luis Antonio Luviano Flores
En clase resumimos los conceptos que consideramos esenciales de la composición. Fue a través de sus puntos de vista y opiniones que concluimos lo siguiente:
....................................................................................................................................................................
RESUMEN DE LA CLASE 3
El punto: es la unidad mínima del dibujo y de la estructura compositiva. Tomamos en cuenta que el punto no tiene una forma única, sino puede tener múltiples variantes.
La línea: es una sucesión de puntos que en su conjunción mantienen determinada direccionalidad que le distingue entre sus tipos de línea. Estos tipos les otorgamos nombres como: recta, curva, quebrada, horizontal, diagonal etcétera.
La emotividad de la línea: Mencionamos que es posible hablar de una emotividad de las líneas. Esto depende de lo que las líneas puedan hacernos sentir. Tomamos como punto general dos conceptos:
a) Lo estático: determinado entre las líneas horizontales y verticales. Generan estabilidad y quietud.
b) Lo dinámico: determinado entre las diagonales y curvas. Generan inestabilidad y movimiento.
El plano: es el espacio en donde se conjugan las fuerzas compositivas y en donde interactúan todos los elementos de la composición.
La forma: es un área que se encuentra limitada por una línea perimetral. Dependiendo de la direccionalidad de las líneas perimetrales podemos definir las formas como: regulares, irregulares, geométricas, orgánicas, etcétera.
El color: Determinamos dos campos generales del color:
Por un lado el campo que pertenece a la física del color que atiende a la luz, es decir, a los descubrimientos de Newton y Tomas Yung.
Por el otro al campo que le pertenece a la química del color y que atiende a los pigmentos, propuestos por Goethe y su círculo cromático.
Del círculo cromático de Goethe desmenuzamos los colores primarios, secundarios y terciaros. Aprendimos además las principales mezclas de color que surgen entre los colores primarios generando los secundarios y terciarios. De ahí comprendimos el contraste complementario de color que se representa en el círculo cromático entre los opuestos.
....................................................................................................................................................................
De esta manera vimos obras de pintura en las cuales el pintor utilizó todos los elementos compositivos en conjunto.
RECUERDA LA ACTIVIDAD EXTRACLASE 3
En un papel para entrega, realizar una composición libre, se sugiere la técnica del collage (recortes de papel pegados, pueden ser de colores e inclusive imàgenes de revistas),tomando en cuenta:
Equilibrio
El contraste entre líneas dinámicas y estáticas.
Un contraste complementario de color (sòlo debes elegir uno con su complementario)
Por: Luis Antonio Luviano Flores
En clase resumimos los conceptos que consideramos esenciales de la composición. Fue a través de sus puntos de vista y opiniones que concluimos lo siguiente:
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RESUMEN DE LA CLASE 3
El punto: es la unidad mínima del dibujo y de la estructura compositiva. Tomamos en cuenta que el punto no tiene una forma única, sino puede tener múltiples variantes.
La línea: es una sucesión de puntos que en su conjunción mantienen determinada direccionalidad que le distingue entre sus tipos de línea. Estos tipos les otorgamos nombres como: recta, curva, quebrada, horizontal, diagonal etcétera.
La emotividad de la línea: Mencionamos que es posible hablar de una emotividad de las líneas. Esto depende de lo que las líneas puedan hacernos sentir. Tomamos como punto general dos conceptos:
a) Lo estático: determinado entre las líneas horizontales y verticales. Generan estabilidad y quietud.
b) Lo dinámico: determinado entre las diagonales y curvas. Generan inestabilidad y movimiento.
El plano: es el espacio en donde se conjugan las fuerzas compositivas y en donde interactúan todos los elementos de la composición.
La forma: es un área que se encuentra limitada por una línea perimetral. Dependiendo de la direccionalidad de las líneas perimetrales podemos definir las formas como: regulares, irregulares, geométricas, orgánicas, etcétera.
El color: Determinamos dos campos generales del color:
Por un lado el campo que pertenece a la física del color que atiende a la luz, es decir, a los descubrimientos de Newton y Tomas Yung.
Por el otro al campo que le pertenece a la química del color y que atiende a los pigmentos, propuestos por Goethe y su círculo cromático.
Del círculo cromático de Goethe desmenuzamos los colores primarios, secundarios y terciaros. Aprendimos además las principales mezclas de color que surgen entre los colores primarios generando los secundarios y terciarios. De ahí comprendimos el contraste complementario de color que se representa en el círculo cromático entre los opuestos.
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De esta manera vimos obras de pintura en las cuales el pintor utilizó todos los elementos compositivos en conjunto.
RECUERDA LA ACTIVIDAD EXTRACLASE 3
En un papel para entrega, realizar una composición libre, se sugiere la técnica del collage (recortes de papel pegados, pueden ser de colores e inclusive imàgenes de revistas),tomando en cuenta:
Equilibrio
El contraste entre líneas dinámicas y estáticas.
Un contraste complementario de color (sòlo debes elegir uno con su complementario)
lunes, 8 de febrero de 2010
CLASE 2
“La cosa más bella que podemos sentir es el lado misterioso de la vida. Es el sentimiento profundo que se encuentra en la cuna del arte y de la verdadera ciencia.”[1]
Albert Einstein.
TEMA: ORÍGENES DE LA FORMA EN EL ARTE
Por: Luis Antonio Luviano Flores
En el presente tema analizaremos brevemente algunas teorías sobre el origen del arte. Decimos teorías ya que te imaginarás que el arte debe ser algo tan antiguo que se fue gestado con el nacimiento de las sociedades humanas; y por ello es difícil saber con exactitud dónde o en qué momento comenzó. Para adentrarnos en el presente necesitarás recordar conceptos que hemos utilizado. Emplearemos la objetividad, la subjetividad, artesanía, la tekhne, el arte y vamos a añadir uno muy importante que es: la abstracción.
Abstracción: Este término nos será de mucha utilidad para comprender varios aspectos del arte. Nosotros vamos a aprovechar, de entrada, una vertiente fundamental que es la del pensamiento abstracto. En otra unidad analizaremos la representación abstracta.
Para abordar la terminología partimos en clase proponiendo un ejercicio mental, en el cual, como recordarás, cerrando los ojos nos pusimos en una situación de experimentar nuestro ser en otro sitio.
Bien, el hecho de que tu pudieras representar un objeto en tu mente, aislarlo conceptualmente del mundo a efecto de visualizarlo, tener la capacidad de hacerlo girar y observar en cada uno de sus ángulos, e inclusive reflexionar sobre él; es la abstracción.
El pensamiento abstracto es la capacidad de imaginar, deducir, sintetizar, interpretar, analizar fenómenos de múltiples naturalezas. Una característica del pensamiento abstracto altamente evolucionado es la que acabas de ejercitar visualizando un mundo aparte.
También tiene que ver con la capacidad de transitar, por ejemplo, observando muchos detalles a la vez y desarrollando gran multitud de funciones; procesar muchos problemas simultáneamente, definir prioridades y dar respuesta (acertada o no) a diversas tareas. En el pensamiento abstracto tenemos la capacidad de construir universos simbólicos, desde entender los procesos matemáticos, hasta imaginar la vida después de la muerte.
Como podrás ver el pensamiento abstracto está enraizado con la imaginación, es inseparable de ella y sin ella no podríamos conceptualizar ni el mundo geométrico, ni los aspectos misteriosos y fantásticos del mundo.
¿Te das cuenta de la relación que debe de existir entre el pensamiento abstracto y las artes; y más aun con sus orígenes?
Analicemos ahora una de las teorías más interesantes sobre el origen de las artes. Nos referimos la teoría de los orígenes de la forma de Herbert Read.
El hombre primitivo necesitó utilizar elementos de la naturaleza para sobrevivir.[2] Debió de darse cuenta que con el hecho de golpear a los animales salvajes con algún objeto pesado, para protegerse de ellos, lograba ahuyentar únicamente a los más débiles. Tal vez en un estado de desesperación se percató que podía penetrar con una piedra filosa el cuerpo de un depredador y ello le permitió desarrollar un utensilio con filo, el cual lo mantendría a salvo de los ataques y a su vez le facilitaría cortar piel y carne para alimentarse.
El hombre mejoró sus herramientas a lo largo de diferentes etapas por medio de diversos materiales y formas perfeccionando la forma utilitaria. Tuvo que desarrollar implementos que le sirvieran para martillear, mismos que le servían para elaborar otros utensilios. Se tienen registros históricos de hachas manuales piriformes, (en forma de pera), que servían para martillear otras piedras, característicos del periodo paleolítico inferior en Europa, las cuales aparecen de 550.000 a 250.000 años.[3] ¿Te das cuenta del lento y difícil proceso para la construcción de una herramienta?
[1] Tomado de: J. Acha, Expresión y Apreciación Artística, op cit., p. 31.
[2] H. Read, Orígenes de la forma en el arte, Buenos Aires, Proyección, 1965, p. 72
[3] Id., p. 74
El hombre perfecciona las formas funcionales, dando paso a la invención de utensilios pulidos del neolítico (entre 3000 y 1500 a. C.) entre ambos periodos se extiende un lapso enorme de tiempo. [1]
Entre estos periodos existe un proceso de perfeccionamiento funcional, y en el diseño de los utensilios se empiezan a desarrollar características formales que los mejoran. Esto sucede porque el hombre se vuelve más observador de las formas que existen en la naturaleza. Se percata del orden y estructura que constituyen sus elementos. Uno de ellos es la repetición equilibrada entre los lados; nosotros lo denominamos como simetría. [2]
El mejor ejemplo de estos utensilios los encontramos en las vasijas. Funcionalmente hablando podemos decir que en ellas encontramos una alto grado de eficacia, puesto que sirven tanto para guardar alimentos, como para almacenar agua. La vasija es un elemento importante para nuestro estudio. Pues es un ejemplo de uno de los diversos cambios fundamentales en los inicios de la historia del arte.
[1] Ibídem.
[2] Id., p. 79
El hombre de aquellos tiempos comenzó a hacerse preguntas acerca de su entorno, ¿Por qué llueve, por qué las nubes, por qué el sol, por qué la noche? Preguntas que seguramente tú te habrás planteado y que alguien resolvió cuando eras pequeño. A diferencia el hombre antiguo no tenía quien respondiera a esos cuestionamientos, por ello creó elementos en lo cuales podía hallar y presentir respuestas. Nos referimos a la magia y a las deidades
Cuando los factores de la magia y los dioses aparecen, el hombre necesitará de ofrendas y de ritos. Al volverse creador de cosas pudo concebir que él mismo fuera producto de una creación. Lo mismo que los elementos de la naturaleza. Y al ofrendar a las deidades, el hombre pide los elementos que necesita, ya sea alimentos o lluvia e inclusive el alivio a sus enfermedades y agradece cuando se lleva a cabo el cumplimiento de alguna de sus necesidades. Pensemos que en ambas acciones sagradas el hombre no podía ofrecer cualquier cosa: seguramente buscó lo mejor. Curiosamente al ofrendar el hombre utilizó las vasijas. Las formas simples y utilitarias ya no satisfacían a estos nuevos sentimientos rituales. Las formas debían modificarse para responder a estas necesidades interiores, a una voluntad de la forma que constituye una reacción emotiva de la vida espiritual y mágica. [1]
Por ello, el hombre comenzó a dotar a estos utensilios de cualidades estéticas que pretendían satisfacer los procesos rituales.[2]
Las vasijas superaron su simple utilidad de almacenamiento para convertirse en un objeto ritual, conteniendo, inclusive, las cenizas de los muertos. Eso justifica refinamientos en los decorados que el uso normal no exigía.[3]
[1] Id., p. 80
[2] Id., p. 79
[3] Id., p. 80
Podemos decir, que en este instante el arte ha nacido. Estos objetos conjugan lo material e inmaterial, juegan con la materia y el espíritu “desmaterializando la materia y materializando lo inmaterial.”[1]
Piensa en lo siguiente ¿podemos decir que la forma artística nace a la par que el pensamiento abstracto?
Imagina cómo el hombre tuvo la capacidad de abstrear elementos geométricos en la decoración de las vasijas destinadas a las ofrendas.
Analiza también si el pensar en un dios creador forma parte de la abstracción y ello da pié a la construcción de elementos geométricos que sintetizan las formas de la naturaleza, sintetizan el orden, generando armonía y simetría.
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RESUMEN DE LA CLASE 2
Pensemos en tres etapas por las que pasó el objeto artístico
1. Etapa primera; descubrimiento de la forma funcional. ¿Recuerdas lo que es la artesanía?
2. Etapa segunda; refinamiento de la forma funcional hasta alcanzar el más alto grado de eficacia utilitaria ¿Recuerdas lo que es la tekhne?
3. Etapa tercera; perfeccionamiento de la forma en dirección de lo simbólico. Cambia su funcionalidad utilitaria, por su finalidad espiritual. ¿Recuerdas nuestra definición de arte?
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Imagina cómo fueron los orígenes de la danza, la música, la escultura, la pintura, la literatura, el teatro. ¿Cuáles de estas manifestaciones tendrían que ver con los rituales?
TEMA: OBJETIVO DEL ARTE
Pensar en un objetivo o una finalidad del arte pareciera ser un tanto confuso. Seguramente te habrás dado cuenta de que aún en nuestros días todavía hay quien, parado frente a una obra de arte, se pregunta; ¿y esto para qué sirve; para qué se hace; cuál es su finalidad?
El artista al igual que un científico, explora un lado misterioso y profundo de la vida. Lo que nos ofrecen sus obras es el reflejo de una manera distinta y particular de pensar y sentir el mundo. De esta manera aprendemos a mirar un aspecto inédito del mundo y de la vida. Pensemos que un artista es un productor que incita al espectador a desarrollar sus sentidos. Y cuando decimos desarrollar nos referimos en verdad a sensibilizar con sus obras nuestra percepción. Todo arte pretende decirnos algo y cuando nos dice ese algo nos lo enseña, de una manera inusitada, otro aspecto del mundo. Los terrenos que toca el arte son aquellos que no se pueden abarcar con otras formas de conocimiento. Sus territorios abarcan los aspectos concernientes a los sentidos y al espíritu de la Humanidad.
La finalidad del arte se cumple cuando se insemina y se reproduce un mensaje en el espectador. La función del arte, en general, es dejar algo del aprendizaje del artista, de sus vivencias, de su mundo y de su tiempo a un individuo. Sin que sea necesaria una multitud que perciba la obra. Es decir, la relación entre la obra de arte y el individuo se efectúa de manera única e irrepetible. La función del arte, por lo tanto, es concientizar y sensibilizar de manera directa a los sujetos frente a un suceso u objeto. Y con ello transformar su pensamiento ante el mundo.
Es cierto que las formas de expresión pueden ser distintas. El artista posee un abanico de posibilidades para manifestarse, ya sea por medio de la ironía, la fealdad, lo bello e inclusive lo grotesco. Pero siempre el artista espera que algún espectador logre captar el mensaje, que logre entender la pasión, la ira o el tormento que refleja su obra. Las aperturas a la conciencia que el arte nos muestra siempre serán una causa para el aprendizaje. El objetivo fundamental del arte no se ubica en los terrenos de la física sino en los terrenos de nuestra interioridad.
RECUERDA LA ACTIVIDAD EXTRACLASE 2
Diseña un cofre y represéntalo en un dibujo. Recuerda que la actividad en clase consistió en un ejercicio neurológico en el cual logramos vislumbrar la apariencia de este cofre sagrado. Ahora te toca a ti representarlo. Recuerda que debe ser en un papel para entrega y la técnica puede ser libre
Más adelante veremos en qué consiste el explicar, de primera instancia, lo que sentimos ante una obra de arte.
[1] Id., p. 81
Albert Einstein.
TEMA: ORÍGENES DE LA FORMA EN EL ARTE
Por: Luis Antonio Luviano Flores
En el presente tema analizaremos brevemente algunas teorías sobre el origen del arte. Decimos teorías ya que te imaginarás que el arte debe ser algo tan antiguo que se fue gestado con el nacimiento de las sociedades humanas; y por ello es difícil saber con exactitud dónde o en qué momento comenzó. Para adentrarnos en el presente necesitarás recordar conceptos que hemos utilizado. Emplearemos la objetividad, la subjetividad, artesanía, la tekhne, el arte y vamos a añadir uno muy importante que es: la abstracción.
Abstracción: Este término nos será de mucha utilidad para comprender varios aspectos del arte. Nosotros vamos a aprovechar, de entrada, una vertiente fundamental que es la del pensamiento abstracto. En otra unidad analizaremos la representación abstracta.
Para abordar la terminología partimos en clase proponiendo un ejercicio mental, en el cual, como recordarás, cerrando los ojos nos pusimos en una situación de experimentar nuestro ser en otro sitio.
Bien, el hecho de que tu pudieras representar un objeto en tu mente, aislarlo conceptualmente del mundo a efecto de visualizarlo, tener la capacidad de hacerlo girar y observar en cada uno de sus ángulos, e inclusive reflexionar sobre él; es la abstracción.
El pensamiento abstracto es la capacidad de imaginar, deducir, sintetizar, interpretar, analizar fenómenos de múltiples naturalezas. Una característica del pensamiento abstracto altamente evolucionado es la que acabas de ejercitar visualizando un mundo aparte.
También tiene que ver con la capacidad de transitar, por ejemplo, observando muchos detalles a la vez y desarrollando gran multitud de funciones; procesar muchos problemas simultáneamente, definir prioridades y dar respuesta (acertada o no) a diversas tareas. En el pensamiento abstracto tenemos la capacidad de construir universos simbólicos, desde entender los procesos matemáticos, hasta imaginar la vida después de la muerte.
Como podrás ver el pensamiento abstracto está enraizado con la imaginación, es inseparable de ella y sin ella no podríamos conceptualizar ni el mundo geométrico, ni los aspectos misteriosos y fantásticos del mundo.
¿Te das cuenta de la relación que debe de existir entre el pensamiento abstracto y las artes; y más aun con sus orígenes?
Analicemos ahora una de las teorías más interesantes sobre el origen de las artes. Nos referimos la teoría de los orígenes de la forma de Herbert Read.
El hombre primitivo necesitó utilizar elementos de la naturaleza para sobrevivir.[2] Debió de darse cuenta que con el hecho de golpear a los animales salvajes con algún objeto pesado, para protegerse de ellos, lograba ahuyentar únicamente a los más débiles. Tal vez en un estado de desesperación se percató que podía penetrar con una piedra filosa el cuerpo de un depredador y ello le permitió desarrollar un utensilio con filo, el cual lo mantendría a salvo de los ataques y a su vez le facilitaría cortar piel y carne para alimentarse.
El hombre mejoró sus herramientas a lo largo de diferentes etapas por medio de diversos materiales y formas perfeccionando la forma utilitaria. Tuvo que desarrollar implementos que le sirvieran para martillear, mismos que le servían para elaborar otros utensilios. Se tienen registros históricos de hachas manuales piriformes, (en forma de pera), que servían para martillear otras piedras, característicos del periodo paleolítico inferior en Europa, las cuales aparecen de 550.000 a 250.000 años.[3] ¿Te das cuenta del lento y difícil proceso para la construcción de una herramienta?
[1] Tomado de: J. Acha, Expresión y Apreciación Artística, op cit., p. 31.
[2] H. Read, Orígenes de la forma en el arte, Buenos Aires, Proyección, 1965, p. 72
[3] Id., p. 74
El hombre perfecciona las formas funcionales, dando paso a la invención de utensilios pulidos del neolítico (entre 3000 y 1500 a. C.) entre ambos periodos se extiende un lapso enorme de tiempo. [1]
Entre estos periodos existe un proceso de perfeccionamiento funcional, y en el diseño de los utensilios se empiezan a desarrollar características formales que los mejoran. Esto sucede porque el hombre se vuelve más observador de las formas que existen en la naturaleza. Se percata del orden y estructura que constituyen sus elementos. Uno de ellos es la repetición equilibrada entre los lados; nosotros lo denominamos como simetría. [2]
El mejor ejemplo de estos utensilios los encontramos en las vasijas. Funcionalmente hablando podemos decir que en ellas encontramos una alto grado de eficacia, puesto que sirven tanto para guardar alimentos, como para almacenar agua. La vasija es un elemento importante para nuestro estudio. Pues es un ejemplo de uno de los diversos cambios fundamentales en los inicios de la historia del arte.
[1] Ibídem.
[2] Id., p. 79
El hombre de aquellos tiempos comenzó a hacerse preguntas acerca de su entorno, ¿Por qué llueve, por qué las nubes, por qué el sol, por qué la noche? Preguntas que seguramente tú te habrás planteado y que alguien resolvió cuando eras pequeño. A diferencia el hombre antiguo no tenía quien respondiera a esos cuestionamientos, por ello creó elementos en lo cuales podía hallar y presentir respuestas. Nos referimos a la magia y a las deidades
Cuando los factores de la magia y los dioses aparecen, el hombre necesitará de ofrendas y de ritos. Al volverse creador de cosas pudo concebir que él mismo fuera producto de una creación. Lo mismo que los elementos de la naturaleza. Y al ofrendar a las deidades, el hombre pide los elementos que necesita, ya sea alimentos o lluvia e inclusive el alivio a sus enfermedades y agradece cuando se lleva a cabo el cumplimiento de alguna de sus necesidades. Pensemos que en ambas acciones sagradas el hombre no podía ofrecer cualquier cosa: seguramente buscó lo mejor. Curiosamente al ofrendar el hombre utilizó las vasijas. Las formas simples y utilitarias ya no satisfacían a estos nuevos sentimientos rituales. Las formas debían modificarse para responder a estas necesidades interiores, a una voluntad de la forma que constituye una reacción emotiva de la vida espiritual y mágica. [1]
Por ello, el hombre comenzó a dotar a estos utensilios de cualidades estéticas que pretendían satisfacer los procesos rituales.[2]
Las vasijas superaron su simple utilidad de almacenamiento para convertirse en un objeto ritual, conteniendo, inclusive, las cenizas de los muertos. Eso justifica refinamientos en los decorados que el uso normal no exigía.[3]
[1] Id., p. 80
[2] Id., p. 79
[3] Id., p. 80
Podemos decir, que en este instante el arte ha nacido. Estos objetos conjugan lo material e inmaterial, juegan con la materia y el espíritu “desmaterializando la materia y materializando lo inmaterial.”[1]
Piensa en lo siguiente ¿podemos decir que la forma artística nace a la par que el pensamiento abstracto?
Imagina cómo el hombre tuvo la capacidad de abstrear elementos geométricos en la decoración de las vasijas destinadas a las ofrendas.
Analiza también si el pensar en un dios creador forma parte de la abstracción y ello da pié a la construcción de elementos geométricos que sintetizan las formas de la naturaleza, sintetizan el orden, generando armonía y simetría.
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RESUMEN DE LA CLASE 2
Pensemos en tres etapas por las que pasó el objeto artístico
1. Etapa primera; descubrimiento de la forma funcional. ¿Recuerdas lo que es la artesanía?
2. Etapa segunda; refinamiento de la forma funcional hasta alcanzar el más alto grado de eficacia utilitaria ¿Recuerdas lo que es la tekhne?
3. Etapa tercera; perfeccionamiento de la forma en dirección de lo simbólico. Cambia su funcionalidad utilitaria, por su finalidad espiritual. ¿Recuerdas nuestra definición de arte?
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Imagina cómo fueron los orígenes de la danza, la música, la escultura, la pintura, la literatura, el teatro. ¿Cuáles de estas manifestaciones tendrían que ver con los rituales?
TEMA: OBJETIVO DEL ARTE
Pensar en un objetivo o una finalidad del arte pareciera ser un tanto confuso. Seguramente te habrás dado cuenta de que aún en nuestros días todavía hay quien, parado frente a una obra de arte, se pregunta; ¿y esto para qué sirve; para qué se hace; cuál es su finalidad?
El artista al igual que un científico, explora un lado misterioso y profundo de la vida. Lo que nos ofrecen sus obras es el reflejo de una manera distinta y particular de pensar y sentir el mundo. De esta manera aprendemos a mirar un aspecto inédito del mundo y de la vida. Pensemos que un artista es un productor que incita al espectador a desarrollar sus sentidos. Y cuando decimos desarrollar nos referimos en verdad a sensibilizar con sus obras nuestra percepción. Todo arte pretende decirnos algo y cuando nos dice ese algo nos lo enseña, de una manera inusitada, otro aspecto del mundo. Los terrenos que toca el arte son aquellos que no se pueden abarcar con otras formas de conocimiento. Sus territorios abarcan los aspectos concernientes a los sentidos y al espíritu de la Humanidad.
La finalidad del arte se cumple cuando se insemina y se reproduce un mensaje en el espectador. La función del arte, en general, es dejar algo del aprendizaje del artista, de sus vivencias, de su mundo y de su tiempo a un individuo. Sin que sea necesaria una multitud que perciba la obra. Es decir, la relación entre la obra de arte y el individuo se efectúa de manera única e irrepetible. La función del arte, por lo tanto, es concientizar y sensibilizar de manera directa a los sujetos frente a un suceso u objeto. Y con ello transformar su pensamiento ante el mundo.
Es cierto que las formas de expresión pueden ser distintas. El artista posee un abanico de posibilidades para manifestarse, ya sea por medio de la ironía, la fealdad, lo bello e inclusive lo grotesco. Pero siempre el artista espera que algún espectador logre captar el mensaje, que logre entender la pasión, la ira o el tormento que refleja su obra. Las aperturas a la conciencia que el arte nos muestra siempre serán una causa para el aprendizaje. El objetivo fundamental del arte no se ubica en los terrenos de la física sino en los terrenos de nuestra interioridad.
RECUERDA LA ACTIVIDAD EXTRACLASE 2
Diseña un cofre y represéntalo en un dibujo. Recuerda que la actividad en clase consistió en un ejercicio neurológico en el cual logramos vislumbrar la apariencia de este cofre sagrado. Ahora te toca a ti representarlo. Recuerda que debe ser en un papel para entrega y la técnica puede ser libre
Más adelante veremos en qué consiste el explicar, de primera instancia, lo que sentimos ante una obra de arte.
[1] Id., p. 81
domingo, 31 de enero de 2010
CLASE 1
CONTENIDO TEÓRICO
TEMA: ARTE
Por Luis Antonio Luviano Flores
Para iniciar el estudio del arte, recordarás que partimos proponiendo una situación concreta que seguramente ya habías enfrentado en algún momento de tu vida, nos referimos a la experiencia de dibujar un árbol.
En este dibujo es posible delimitar dos universos: el objetivo y el subjetivo. A lo largo del curso tomaremos constantemente ejemplos que tengan que ver con esta división, ¿recuerdas lo que vimos de cada planteamiento?
Orientación objetiva: Hace referencia a lo que es material, ya que, como el término lo señala, hace alusión al objeto, a algo concreto, bien definible, al mundo palpable y, de alguna manera, comprobable de las cosas. Recordarás que las cuestiones objetivas atañen a la mayoría de las ciencias.
Orientación subjetiva: Hace referencia a lo que es inmaterial, ya que, como el término lo señala, hace alusión al sujeto, y éste conlleva cuestiones que tienen que ver con el pensamiento, la imaginación, es decir, lo impalpable e indefinible de las cosas.
Es bien cierto que algunas ciencias tratan de evitar las cuestiones subjetivas, puesto que el método científico se basa en estructuras objetivas comprobables. Sin embargo no es motivo para tomar una postura de indiferencia ante los fenómenos subjetivos, ya que, lo que nos distingue como seres diferentes, creativos e imaginativos es la subjetividad. Recordarás que las cuestiones subjetivas pertenecen a las artes y que la Estética se encarga de su estudio.
Bien, volvamos a nuestro ejemplo del dibujo del árbol. Por un lado, el mundo objetivo se manifiesta en la representación del tronco, ramas, raíces, hojas, que se encuentra en el mundo físico que nos rodea. Todo árbol tiene una estructura básica, lo que nos permite reconocerlo como tal.
Paralelo a este mundo se manifiesta otro, más sutil, e igualmente verdadero y que tiene que ver con las características del mundo subjetivo, es decir, que se enlaza directamente con el autor del dibujo. De ahí las representaciones personales. Habrá quien lo represente recto hacia el cielo, y parezca fuerte, sólido y vital. Habrá quien lo haga retorcido y con muchas ramas, y nos dé la sensación de nostalgia y soledad. Alguien le pondrá muchas hojas, o lo llene de frutos, y nos parezca lleno de vida y de esperanza. etc.[1] ¿Te das cuenta de la importancia que tiene el mundo subjetivo y de la relación que debe tener con el arte?
[1] R. Ivelic, K., Fundamentos par al comprensión de las artes, Chile, Universidad Católica de Chile, 1997, p. 11.
Entendido esto, ahora es buen momento para que tengamos un acercamiento con la definición del arte. Seguramente te habrás encontrado con múltiples definiciones, y esto es porque las manifestaciones artísticas cambian constantemente, de igual manera que cambian las formas del pensamiento a través del tiempo. Pero tratemos de entender algo que es general al arte, prepárate para poner en práctica lo que analizaste de objetividad y subjetividad.
Para empezar, hay que considerar al arte como el modo más perfecto de expresión que ha logrado la Humanidad[1]
Pensemos en que durante la Historia, el hombre ha creado objetos útiles que han sido necesarios para su existencia. Asimismo el hombre ha creado lenguajes y símbolos sumando una impresionante cantidad de saber. Podemos asegurar que nunca se han agotado sus recursos e inventiva. El hombre siempre se ha manifestado creando cosas que superan a otras sucesivamente; mejores utensilios, eficientes armas para la cacería, etc.; que podemos definir como elementos objetivos.
Sin embargo más allá de estos elementos materiales, existen otros elementos llamados subjetivos que atienden al instinto, a la intuición y al misterio y no a un aspecto meramente utilitario[2] Las vías de estos elementos las encontramos en la imaginación y la sensibilidad. Sus componentes son eminentemente creativos y se orientan a cuestiones espirituales e imaginativas. El desarrollo de estos elementos subjetivos, ofrece modos distintos y más profundos de aprehensión. Los objetos han sido rebasados en su aspecto utilitario, por que el hombre deja de hacerlos para algo meramente útil y la razón de ser de estos objetos obedece a fines espirituales. En esto ahondaremos más adelante.
Siempre pensemos que el arte intenta decirnos algo: algo acerca del universo, del hombre, del artista mismo.[3] Sin él no podríamos comprender a la Humanidad y su Historia, ya que en el arte el hombre llega a reconocer su mundo y lo manifiesta, lo expresa. Por lo tanto debemos admitir la importancia del conocimiento artístico.[4]
Arte y artesanía.
Tenemos que distinguir, en segundo lugar, la artesanía del arte [5] Pensemos que México es un país extremadamente rico en producción artesanal. Por esa misma familiaridad que tenemos con las artesanías, a veces no sabemos cuál es la diferencia entre las artesanías y el arte, vamos a ver cuál es.
La obra artesanal tiene una finalidad práctica: saber hacer algo que sirva para algo. El artesano necesita de la técnica, enseñada a través de un proceso de adiestramiento. De aquí depende su habilidad y su trabajo se distingue por su durabilidad y funcionalidad. Cabe mencionar que el artesano produce en serie sus objetos, es decir, un objeto es igual a otro y otro, y de esta manera puede comercializar sus productos. Su aspecto de realización es objetivo. Estas obras no tienen mucho que ver con lo que veremos en el curso, con el quehacer emparentado con lo artístico. Sin embargo pensemos que la a artesanía adquiere otra calidad muy distinta cuando se hace presente lo que denominaremos como tekhne, que definimos como el alma de la obra artesanal.[6]
Aunque técnica proviene del griego tekhne, nosotros utilizaremos tekhne para entender un saber hacer que implica una sabiduría y pasión por lo que se hace, un hacer tan bien las cosas que tiene que ver con el respeto e identificación con el material con que se trabaja, dando como resultado un objeto, que puede, superar inclusive su utilidad. Cuando decimos supera su utilidad, nos referimos a que sigue siendo un objeto útil para algo, pero que esa utilidad ha quedado rebasada por sus características de elaboración; por la pasión, cuidado y sabiduría con que ha sido realizado. Este objeto se acerca a una liberación de la sensibilidad, por eso podemos decir que es un intermedio entre artesanía y arte. Aunque el objeto realizado con tekhne es la puerta de entrada a lo artístico, no ha logrado superar del todo su aspecto objetivo[7]
¿Te has enfrentado a una experiencia que tiene que ver con un objeto elaborado tan pulcramente, que te atrapa la calidad en la que fueron trabajados sus materiales; por ejemplo una alhajero antiguo, o un objeto especial que guardes en casa? Existen coleccionistas que valoran objetos de esta naturaleza, objetos como por ejemplo los violines Stradivarius.
Estos objetos pueden conducirnos a una experiencia que se acerca a la experiencia estética, de la cual hablaremos más adelante.
De alguna manera, todos, aunque sea en un grado muy modesto, concretamos algo de tekhne en nuestra vida diaria: cuando nos preocupamos de que un trabajo determinado esté realizado con el mayor empeño y cuidado posible. Cuando pulimos un objeto de plata para sustituirle su brillo y lo hacemos con el mayor cuidado por el aprecio que le tenemos. Cuando limpiamos con delicadeza y esmero las hojas de una planta para devolverles su color natural, su textura, sus nervaduras. Sentimos a través de todas estas actividades, que una suave luz de tekhne ilumina nuestro hogar.[8]
............................................................................................................................................................
RESUMEN DE LA CLASE 1:
La artesanía tiene que ver con la elaboración de objetos de utilidad con un fin comercial, cuyo trabajo se distingue por su durabilidad y su funcionalidad. Estos trabajos generalmente son producidos en serie y su aspecto de realización es objetivo.
Un objeto artesanal realizado con tekhne, ha sido construido con alma, que es un saber hacer que implica sabiduría y pasión por lo que se hace. Estos objetos pueden, incluso, superar el aspecto utilitario de producción. La tekhne nos atrapa y, aunque nos acerca a una experiencia estética, su aspecto objetivo de producción no ha sido del todo superado.
El arte es el modo más perfecto de expresión de la Humanidad. Supera el aspecto utilitario de producción. Tiene que ver con elementos subjetivos que atienden al instinto, a la intuición y al misterio, y sus vías son la imaginación y la sensibilidad. El arte es una manifestación de la totalidad del mundo, de las experiencias de vida del artista y del misterio de las cosas.
.......................................................................................................................................................
[1] H. Read, Arte y Sociedad, Barcelona, Ediciones de bolsillo, 1970, p. 20
[2] Id., p. 16
[3] Id., p. 21
[4] Id., pp. 20-21
[5] Id., p. 14
[6] R. Ivelic, K., Fundamentos par al comprensión de las artes, op., cit., p. 58
[7] Ibídem
[8] Id., p. 591997, p. 11.
Recuerda la Actividad Extraclase 1.
Tomando en cuenta lo que has aprendido; Realiza un dibujo de un arbol con una orientaciòn completamente subjetiva. La tècnica de realizaciòn es libre y dede estar en una hoja para entrega que contenga todos tus datos. El objetivo de esta actividad es que pongas en práctica lo aprendido.
Nos vemos la pròxima semana
TEMA: ARTE
Por Luis Antonio Luviano Flores
Para iniciar el estudio del arte, recordarás que partimos proponiendo una situación concreta que seguramente ya habías enfrentado en algún momento de tu vida, nos referimos a la experiencia de dibujar un árbol.
En este dibujo es posible delimitar dos universos: el objetivo y el subjetivo. A lo largo del curso tomaremos constantemente ejemplos que tengan que ver con esta división, ¿recuerdas lo que vimos de cada planteamiento?
Orientación objetiva: Hace referencia a lo que es material, ya que, como el término lo señala, hace alusión al objeto, a algo concreto, bien definible, al mundo palpable y, de alguna manera, comprobable de las cosas. Recordarás que las cuestiones objetivas atañen a la mayoría de las ciencias.
Orientación subjetiva: Hace referencia a lo que es inmaterial, ya que, como el término lo señala, hace alusión al sujeto, y éste conlleva cuestiones que tienen que ver con el pensamiento, la imaginación, es decir, lo impalpable e indefinible de las cosas.
Es bien cierto que algunas ciencias tratan de evitar las cuestiones subjetivas, puesto que el método científico se basa en estructuras objetivas comprobables. Sin embargo no es motivo para tomar una postura de indiferencia ante los fenómenos subjetivos, ya que, lo que nos distingue como seres diferentes, creativos e imaginativos es la subjetividad. Recordarás que las cuestiones subjetivas pertenecen a las artes y que la Estética se encarga de su estudio.
Bien, volvamos a nuestro ejemplo del dibujo del árbol. Por un lado, el mundo objetivo se manifiesta en la representación del tronco, ramas, raíces, hojas, que se encuentra en el mundo físico que nos rodea. Todo árbol tiene una estructura básica, lo que nos permite reconocerlo como tal.
Paralelo a este mundo se manifiesta otro, más sutil, e igualmente verdadero y que tiene que ver con las características del mundo subjetivo, es decir, que se enlaza directamente con el autor del dibujo. De ahí las representaciones personales. Habrá quien lo represente recto hacia el cielo, y parezca fuerte, sólido y vital. Habrá quien lo haga retorcido y con muchas ramas, y nos dé la sensación de nostalgia y soledad. Alguien le pondrá muchas hojas, o lo llene de frutos, y nos parezca lleno de vida y de esperanza. etc.[1] ¿Te das cuenta de la importancia que tiene el mundo subjetivo y de la relación que debe tener con el arte?
[1] R. Ivelic, K., Fundamentos par al comprensión de las artes, Chile, Universidad Católica de Chile, 1997, p. 11.
Entendido esto, ahora es buen momento para que tengamos un acercamiento con la definición del arte. Seguramente te habrás encontrado con múltiples definiciones, y esto es porque las manifestaciones artísticas cambian constantemente, de igual manera que cambian las formas del pensamiento a través del tiempo. Pero tratemos de entender algo que es general al arte, prepárate para poner en práctica lo que analizaste de objetividad y subjetividad.
Para empezar, hay que considerar al arte como el modo más perfecto de expresión que ha logrado la Humanidad[1]
Pensemos en que durante la Historia, el hombre ha creado objetos útiles que han sido necesarios para su existencia. Asimismo el hombre ha creado lenguajes y símbolos sumando una impresionante cantidad de saber. Podemos asegurar que nunca se han agotado sus recursos e inventiva. El hombre siempre se ha manifestado creando cosas que superan a otras sucesivamente; mejores utensilios, eficientes armas para la cacería, etc.; que podemos definir como elementos objetivos.
Sin embargo más allá de estos elementos materiales, existen otros elementos llamados subjetivos que atienden al instinto, a la intuición y al misterio y no a un aspecto meramente utilitario[2] Las vías de estos elementos las encontramos en la imaginación y la sensibilidad. Sus componentes son eminentemente creativos y se orientan a cuestiones espirituales e imaginativas. El desarrollo de estos elementos subjetivos, ofrece modos distintos y más profundos de aprehensión. Los objetos han sido rebasados en su aspecto utilitario, por que el hombre deja de hacerlos para algo meramente útil y la razón de ser de estos objetos obedece a fines espirituales. En esto ahondaremos más adelante.
Siempre pensemos que el arte intenta decirnos algo: algo acerca del universo, del hombre, del artista mismo.[3] Sin él no podríamos comprender a la Humanidad y su Historia, ya que en el arte el hombre llega a reconocer su mundo y lo manifiesta, lo expresa. Por lo tanto debemos admitir la importancia del conocimiento artístico.[4]
Arte y artesanía.
Tenemos que distinguir, en segundo lugar, la artesanía del arte [5] Pensemos que México es un país extremadamente rico en producción artesanal. Por esa misma familiaridad que tenemos con las artesanías, a veces no sabemos cuál es la diferencia entre las artesanías y el arte, vamos a ver cuál es.
La obra artesanal tiene una finalidad práctica: saber hacer algo que sirva para algo. El artesano necesita de la técnica, enseñada a través de un proceso de adiestramiento. De aquí depende su habilidad y su trabajo se distingue por su durabilidad y funcionalidad. Cabe mencionar que el artesano produce en serie sus objetos, es decir, un objeto es igual a otro y otro, y de esta manera puede comercializar sus productos. Su aspecto de realización es objetivo. Estas obras no tienen mucho que ver con lo que veremos en el curso, con el quehacer emparentado con lo artístico. Sin embargo pensemos que la a artesanía adquiere otra calidad muy distinta cuando se hace presente lo que denominaremos como tekhne, que definimos como el alma de la obra artesanal.[6]
Aunque técnica proviene del griego tekhne, nosotros utilizaremos tekhne para entender un saber hacer que implica una sabiduría y pasión por lo que se hace, un hacer tan bien las cosas que tiene que ver con el respeto e identificación con el material con que se trabaja, dando como resultado un objeto, que puede, superar inclusive su utilidad. Cuando decimos supera su utilidad, nos referimos a que sigue siendo un objeto útil para algo, pero que esa utilidad ha quedado rebasada por sus características de elaboración; por la pasión, cuidado y sabiduría con que ha sido realizado. Este objeto se acerca a una liberación de la sensibilidad, por eso podemos decir que es un intermedio entre artesanía y arte. Aunque el objeto realizado con tekhne es la puerta de entrada a lo artístico, no ha logrado superar del todo su aspecto objetivo[7]
¿Te has enfrentado a una experiencia que tiene que ver con un objeto elaborado tan pulcramente, que te atrapa la calidad en la que fueron trabajados sus materiales; por ejemplo una alhajero antiguo, o un objeto especial que guardes en casa? Existen coleccionistas que valoran objetos de esta naturaleza, objetos como por ejemplo los violines Stradivarius.
Estos objetos pueden conducirnos a una experiencia que se acerca a la experiencia estética, de la cual hablaremos más adelante.
De alguna manera, todos, aunque sea en un grado muy modesto, concretamos algo de tekhne en nuestra vida diaria: cuando nos preocupamos de que un trabajo determinado esté realizado con el mayor empeño y cuidado posible. Cuando pulimos un objeto de plata para sustituirle su brillo y lo hacemos con el mayor cuidado por el aprecio que le tenemos. Cuando limpiamos con delicadeza y esmero las hojas de una planta para devolverles su color natural, su textura, sus nervaduras. Sentimos a través de todas estas actividades, que una suave luz de tekhne ilumina nuestro hogar.[8]
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RESUMEN DE LA CLASE 1:
La artesanía tiene que ver con la elaboración de objetos de utilidad con un fin comercial, cuyo trabajo se distingue por su durabilidad y su funcionalidad. Estos trabajos generalmente son producidos en serie y su aspecto de realización es objetivo.
Un objeto artesanal realizado con tekhne, ha sido construido con alma, que es un saber hacer que implica sabiduría y pasión por lo que se hace. Estos objetos pueden, incluso, superar el aspecto utilitario de producción. La tekhne nos atrapa y, aunque nos acerca a una experiencia estética, su aspecto objetivo de producción no ha sido del todo superado.
El arte es el modo más perfecto de expresión de la Humanidad. Supera el aspecto utilitario de producción. Tiene que ver con elementos subjetivos que atienden al instinto, a la intuición y al misterio, y sus vías son la imaginación y la sensibilidad. El arte es una manifestación de la totalidad del mundo, de las experiencias de vida del artista y del misterio de las cosas.
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[1] H. Read, Arte y Sociedad, Barcelona, Ediciones de bolsillo, 1970, p. 20
[2] Id., p. 16
[3] Id., p. 21
[4] Id., pp. 20-21
[5] Id., p. 14
[6] R. Ivelic, K., Fundamentos par al comprensión de las artes, op., cit., p. 58
[7] Ibídem
[8] Id., p. 591997, p. 11.
Recuerda la Actividad Extraclase 1.
Tomando en cuenta lo que has aprendido; Realiza un dibujo de un arbol con una orientaciòn completamente subjetiva. La tècnica de realizaciòn es libre y dede estar en una hoja para entrega que contenga todos tus datos. El objetivo de esta actividad es que pongas en práctica lo aprendido.
Nos vemos la pròxima semana
domingo, 24 de enero de 2010
BIENVENIDA
Bienvenidos a los gupos 2203 2209 2210 2213 y 2215 del CECyt 6 a la asignatura de apreciación artística, como su nombre lo indica, nos adentraremos en el fascinante mundo del arte y veremos cómo debemos valorarlo y apreciarlo.
La asignatura te ofrecerá las herramientas básicas para que, tú, como principal espectador de algunas obras de arte, observes, distingas, analices y aprecies las diferentes manifestaciones artísticas.
Espero que el contenido conceptual del presente curso despierte el interés por ver las cosas de otra manera y que trabajemos en el trnscurso del mismo con una apertura hacia la sensibilidad humana.
La asignatura te ofrecerá las herramientas básicas para que, tú, como principal espectador de algunas obras de arte, observes, distingas, analices y aprecies las diferentes manifestaciones artísticas.
Espero que el contenido conceptual del presente curso despierte el interés por ver las cosas de otra manera y que trabajemos en el trnscurso del mismo con una apertura hacia la sensibilidad humana.
miércoles, 20 de enero de 2010
viernes, 16 de octubre de 2009
miércoles, 14 de octubre de 2009
sábado, 10 de octubre de 2009
miércoles, 30 de septiembre de 2009
sábado, 8 de agosto de 2009
domingo, 5 de julio de 2009
domingo, 21 de junio de 2009
EXAMEN EXTRAORDINARIO
Hola el examen extra se llevará a cabo el día lunes 22 a las 6 de la tarde. Ustedes busquen el salón que les tocará. Estos son publicados enfrente de los trofeos.
Suerte.
TRABAJOS DE DEIDADES
Como recordarán en la unidad cuatro analizamos aspectos del arte mexicano que nos identifican. Analizamos desde el arte prehispánico, colonial y moderno de nuestro país. Una de las actividades consistió en inventar una deidad a la cual debíamos describir sus poderes. Esto para recrear un proceso creativo en la invención artística prehispánica referente a las deidades y analizar la alegoría que contiene cada imagen. En una actividad subsecuente diseñamos un retablo para nuestra deidad. El requisito consistía en reconocer los elementos barrocos que caracterizan a nuestra arquitectura colonial. Claro que siempre considerando nuestra propia inventiva. En este apartado elegí algunos trabajos para que los pudiésemos compartir. Recordemos que el intercambio de propuestas genera ideas que nutren nuestras actividades.
Veamos los trabajos de:
Yemy de la Caridad Flores Martínez
Yemy de la Caridad Flores Martínez
Erika Rodríguez Díaz:
sábado, 20 de junio de 2009
sábado, 30 de mayo de 2009
¿CÓMO NOS EVALUARÁN EL TRABAJO FINAL?
RÚBRICA DE EVALUACIÓN: Recuerden que el trabajo final tiene un valor de 30 puntos de los cuales se repartiran considerando lo siguiente:
Menos de 10 puntos:
Menos de 10 puntos:
- El diseño es inaceptable y falto de interés
- No demuestra un mínimo de creatividad en la composición
- Elige elementos artísticos, más no son característicos de la identidad nacional
- No contiene limpieza en la presentación
- No explica el porqué de la elección de los elementos
10 puntos:
- El diseño es apenas aceptable
- Apenas muestra un intento de creatividad en la composición
- Elige elementos artísticos, más no son característicos de la identidad nacional
- Contiene una regular limpieza en la presentación
- No explica el porqué de la elección de los elementos
15 puntos:
- El diseño es apenas aceptable
- Muestra un intento mínimo de creatividad en composición
- Elige elementos artísticos, más no queda claro que sean característicos de la identidad nacional
- Contiene una regular limpieza en la presentación
- No explica el porqué de la elección de los elementos simplemente los menciona
20 puntos:
- El diseño es aceptable
- Muestra un intento de creatividad en composición y uso de los materiales
- Elige elementos artísticos que considera característicos de la identidad nacional
- Contiene limpieza en la presentación
- Explica el porqué de la elección de los elementos sin precisar ni ser muy claro
25 puntos:
- El diseño es armónico
- Es creativo en composición y uso de los materiales
- Elige elementos artísticos que considera característicos de la identidad nacional
- Contiene una buena limpieza en la presentación
- Explica el porqué de la elección de los elementos
30 puntos:
- El diseño es armónico
- Es creativo en composición y uso de los materiales dándole originalidad al contenido
- Elige elementos artísticos que son característicos de la identidad nacional
- Contiene una excelente limpieza en la presentación
- Explica con claridad el porqué de la elección de los elementos mostrando congruencia en el contenido
domingo, 24 de mayo de 2009
EN MEMORIA A MARIO BENEDETTI
Hola. Les publico unos videos de las películas El lado oscuro del corazón 1 y 2 en memoria del gran amigo de los jóvenes de espíritu, el gran poeta uruguayo Mario Benedetti, (en estas películas todos los poemas son de Benedetti), a unos días de su muerte.
Gracias por tus libros y poemas amigo de siempre.
http://
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Gracias por tus libros y poemas amigo de siempre.
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sábado, 16 de mayo de 2009
CLASE 12
Elementos Artísticos de configuración de la identidad nacional.
Por: Luis Antonio Luviano Flores
A partir de esta clase analizaremos los elementos artísticos que configuran nuestra identidad nacional.
Nosotros iremos indagando sobre la importancia de autoconocernos a partir del arte que tenemos a nuestro alrededor. Primordialmente el arte antiguo, el arte colonial y el arte moderno de México.
***RESUMEN DE CLASE***
México, como otras partes del mundo, ha sido cuna de grandes civilizaciones, mismas que han desarrollado quehaceres en diferentes ámbitos como son las ciencias y las artes.
México es reconocido por tres momentos históricos en su desarrollo cultural: el México antiguo, el México colonial y el México nuevo[1]. Sobre el México antiguo ya conocimos su expresión artística; ahora vamos a hablar un poco del México colonial.
La multiplicidad de culturas que proliferaron en nuestro país produjeron diferentes objetos artísticos como fueron la pintura, escultura y la arquitectura. En este último rubro, recordemos las pirámides tan características de nuestro país.
Hay que aclarar que el arte que crearon estas civilizaciones no nació como una expresión meramente estética sino que el objetivo de estas expresiones era representar su concepción sobre el mundo, especialmente su relación con las divinidades, el origen de la vida, representaciones religiosas. Es decir, crearon formas que identificaran aquello que reconocían como existente en su mundo. Por lo tanto, se puede decir que el arte de las antiguas civilizaciones es simbólico[2].
[1] Cfr.- E. Contreras, Expresión y Apreciación Artística. Trillas, 1993, 198 p.
[2] Íd.
ACTIVIDAD EXTRCLASE
En esta ocasión existen variantes de la actividad entre los grupos, ya que algunos eligieron ser evaluados con trabajo final y otros no.
En algunos grupos quedó la actividad de investigar lo que existe detrás del Chaac Mool o de Coatlicue y hacer una entrega con carátula, imagen a media cuartilla y una cuartilla de desarrollo informativo.
En otros quedó el pendiente de elaborar un dibujo de una deidad (un dios) inventado. La entrega requiere de carátula y una cuartilla de desarrollo que contenga los poderes que se le atribuyen a su deidad.
CLASE 10 Y 11
En estas clases hemos llevado a cabo las exposiciones grupales con el tema de "Vanguardias". En lo personal quiero felicitar a los participantes, ya que las reproducciones de obras de artistas vanguardistas, resultaron en su gran mayoría muy interesantes y bien logradas. El contenido temático de las exposiciones fue bueno y logramos a través del diálogo aprender la importancia de conocer estos importantes movimientos artísticos.
LECTURAS DE LA UNIDAD 3
UNIDAD 3 – ARTES LITERARIAS Y ESCÉNICAS
Por: Saraí Torres Robledo.
Anteriormente ya conociste una parte de la clasificación clásica de las artes. Ya revisaste lo que es la pintura, escultura, arquitectura, música y la danza. No obstante, dentro de las artes también se encuentran la literatura y el teatro.
LITERATURA
La palabra literatura viene del latín litterae y significa letras[1]. La manifestación de la literatura son las obras o textos literarios los cuales podemos definirlos como producto de de la actividad verbal humana que se van a diferencias porque poseen las siguientes características:
a) Poseen un valor estético
b) La Función del lenguaje es expresivo (emotivo) y/o estético (poético)
c) El nivel de la lengua a la que recurre es el literario, por lo tanto emplea figuras literarias (como las metáforas, la comparación, etc.)
d) Utiliza un lenguaje connotativo; es decir, que es ampliamente interpretable ya que puede tener diversos significados según la interpretación de cada lector[2].
La literatura se desarrolla a través de tres géneros que son: Épico, Lírico y Dramático. En este momento nos vamos a ocupar de los dos primeros ya que el género dramático lo revisaremos en el siguiente tema.
El género épico viene del latín epicus y del griego epikos[3], lo que quiere decir es que es lo relativo a la epopeya. La literatura épica hace referencia a historias heroicas en donde el héroe se vuelve una especie de arquetipo que representa los valores que deben representar a un pueblo. Un ejemplo es “La IIíada y la Odisea” de Homero.
Al género épico le pertenece la narrativa que significa relatar o contar algo.
El Género lírico adquiere su nombre por el ritmo que producía la lira, la cual era poesía para el canto. En este género predomina la subjetividad ya que expresa los sentimientos más íntimos del autor[4]. Un ejemplo es “No es que muera de amor” de Jaime Sabines.
En el género lírico predomina el empleo de figuras literarias.
No es que muera de amor
Jaime Sabines
Anteriormente ya conociste una parte de la clasificación clásica de las artes. Ya revisaste lo que es la pintura, escultura, arquitectura, música y la danza. No obstante, dentro de las artes también se encuentran la literatura y el teatro.
LITERATURA
La palabra literatura viene del latín litterae y significa letras[1]. La manifestación de la literatura son las obras o textos literarios los cuales podemos definirlos como producto de de la actividad verbal humana que se van a diferencias porque poseen las siguientes características:
a) Poseen un valor estético
b) La Función del lenguaje es expresivo (emotivo) y/o estético (poético)
c) El nivel de la lengua a la que recurre es el literario, por lo tanto emplea figuras literarias (como las metáforas, la comparación, etc.)
d) Utiliza un lenguaje connotativo; es decir, que es ampliamente interpretable ya que puede tener diversos significados según la interpretación de cada lector[2].
La literatura se desarrolla a través de tres géneros que son: Épico, Lírico y Dramático. En este momento nos vamos a ocupar de los dos primeros ya que el género dramático lo revisaremos en el siguiente tema.
El género épico viene del latín epicus y del griego epikos[3], lo que quiere decir es que es lo relativo a la epopeya. La literatura épica hace referencia a historias heroicas en donde el héroe se vuelve una especie de arquetipo que representa los valores que deben representar a un pueblo. Un ejemplo es “La IIíada y la Odisea” de Homero.
Al género épico le pertenece la narrativa que significa relatar o contar algo.
El Género lírico adquiere su nombre por el ritmo que producía la lira, la cual era poesía para el canto. En este género predomina la subjetividad ya que expresa los sentimientos más íntimos del autor[4]. Un ejemplo es “No es que muera de amor” de Jaime Sabines.
En el género lírico predomina el empleo de figuras literarias.
No es que muera de amor
Jaime Sabines
No es que muera de amor, muero de ti.
Muero de ti, amor, de amor de ti,
de urgencia mía de mi piel de ti,
de mi alma de ti y de mi boca
y del insoportable que yo soy sin ti.
Muero de ti y de mí, muero de ambos,
de nosotros, de ese,
desgarrado, partido,
me muero, te muero, lo morimos.
Morimos en mi cuarto en que estoy solo,
en mi cama en que faltas,
en la calle donde mi brazo va vacío,
en el cine y los parques, los tranvías, l
os lugares donde mi hombro acostumbra tu cabeza
y mi mano tu mano
y todo yo te sé como yo mismo.
Dentro de cada género podemos encontrar diversas temáticas y formas de redactarlos; por ejemplo: el Cantar del Mío Cid es del género épico por la temática que nos presenta pero está escrito de modo lírico ya que es un poema. De igual forma, dentro de la narrativa podemos encontrar cuentos, novelas, fábulas, leyendas, etc.
Apreciación Literaria
Cuando leemos un texto no sólo entendemos lo que nos está diciendo sino que también lo interpretamos (la imprimimos nuestro propio sentido), por lo que podríamos decir que “…cada lector escribe su propio texto”[5]. No obstante, para la apreciación literaria debemos realizar un escrutinio de todo texto con base a diferentes categorías que nos van a facilitar su comprensión. Los niveles de análisis son:
a) Nivel Informativo
- Información biográfica del autor: La vida de quien escribe los textos van a influenciar la forma en que se desarrollan sus escritos. Por eso es importante que conozcamos la época en la que vivió y qué situaciones de vida pudieron haberlo marcado para escribir de esa forma o sobre esa temática.
- Tema: Conocer de qué nos está hablando la obra literaria.
- Personajes: Qué personajes intervienen en el texto; si son principales, secundarios, antagónicos, etc.
- Contexto Social: Bajo qué contexto fue escrita la obra: si eran tiempos de guerra, si fue escrita en momentos de represión por parte de la iglesia, si fue desenvuelta en algún momento crucial en la definición social de un pueblo, etc.[6]
b) Nivel Ideológico
El segundo nivel de análisis es el Nivel Ideológico, el cuál “…sirve como marco de referencia que tuvo o tiene la obra para representar la realidad”[7]. Es decir, analizamos las ideas que se manifiestan en el texto.
Dentro de las ideas tenemos:
- Idea Principal que es la que está estrechamente relaciona con la temática de la historia. Es el eje de la misma.
- Idea Secundaria es (o son) aquella que podemos encontrar en la historia para reforzar la idea principal pero no son el eje del texto. Dentro de las ideas secundarias podemos encontrar ideas de tipo social (habla de clases sociales, igualdad, juegos de poder), políticas (referente a poder y gobierno, libertad, monarquía, etc.), económicas (referente a condiciones económicas), entre otras.
c) Nivel Estilístico
El tercer nivel de análisis es el Nivel Estilístico, el cual se refiere a los “aspectos cualitativos que el autor deposita en la elaboración de la obra”[8]; es decir:
- Estilo: el sello personal del autor, la forma en que redacta, la ideología que expone (que tiene que ver son su historia de vida), el tipo de palabras que utiliza e incluso la manera en que acomoda las ideas o utiliza la puntuación.
- Ambiente: Es el escenario que se vive en la historia; puede ser de alegría, terror, oscuridad, tensión, etc.
- Espacio: son los lugares donde se desenvuelve la historia.
- Tiempo: es el cómo se desarrolla la historia, si es cronológico o lineal (conforme suceden los hechos), retrospectivo (hace vueltas al pasado) o prospectivo (hace adelantos de lo que va a pasar o visualiza a futuro)
- Apreciación Crítica: aquí hacemos la valoración general de la obra con todos los elementos anteriores. Damos nuestra opinión más allá de “me gustó o no me gustó” sino que aportamos elementos que fundamenten el por qué de lo que aseveramos acerca de la obra literaria.
Como habrás visto, la apreciación de un texto literario va más allá de las primeras expresiones que pudiera desencadenar en nosotros sino que implica meternos en la historia y ver más allá de lo que a simple vista nos está diciendo el texto.
Así tenemos que hay tres géneros literarios que son: Épico, Lírico y Dramático y que para su apreciación, los textos deben ser descompuestos en tres niveles que son: Nivel Informativo, Nivel Ideológico y Nivel Estilístico.
TEATRO
La palabra teatro viene del latín théatrum que significa mirar. Es decir, que es un género literario que ha nacido para ser observado; por eso también se le considera parte de las artes escénicas.
Stanislavski, uno de los especialistas en teatro más reconocidos, afirma que el teatro “…posee la riqueza más grande…para afectar a miles de espectadores a un tiempo y de estimular sus emociones artísticas”[9]. El teatro ilustra la vida con la cual cualquiera se puede identificar: desde el aristócrata hasta el campesino.
¿Cómo está escrita una obra teatral?
Diálogo - Las piezas teatrales son escritas a manera de diálogo y se redactan en primera persona ya que cada parlamento es la viva voz del personaje.
Escenas – Las escenas son divisiones que marcan un cambio de espacio, tiempo o situación en las acciones que se realizan dentro de la obra. Al abrir la escena se anota la ubicación espacial, temporal y condiciones de los personajes.
Acciones y/o acotaciones - Son los movimientos, actitudes, entonación, etc. Que le va a ejecutar el actor. Generalmente se escriben entre paréntesis o en cursivas.
Así como el que escribe cuentos se le llama cuentista, al que hace poemas, poeta. Quien escribe teatro se le llama Dramaturgo.
Al igual que las obras literarias, el teatro puede ser analizado desde las tres categorías que ya revisamos en el tema anterior, ¿las recuerdas? Nos referimos al nivel informativo, ideológico y estilístico.
Como vez, una obra teatral inicia como una obra literaria. Sin embargo, cuando la escenificamos debemos tomar en cuenta otros elementos escénicos que son:
Dirección: La dirección escénica es vital ya que el directo organiza todos los elementos que hacen posible la correcta presentación de la obra teatral.
Actor: Es quien le da vida al personaje que interpreta; éste debe contar con armonía en sus movimientos evitando la monotonía e imprimiendo las características necesarias para la correcta proyección del personaje[10]. Se dice que “el teatro ocurre en la mente del actor”[11].
Escenografía – Corre a cargo del escenógrafo. La escenografía son aquellos elementos que van a recrear el ambiente y el lugar donde se desarrollarán las acciones de los personajes.
Iluminación – Va a ayudar a crear ambientes y tiempos. Si es de día, la iluminación será blanca, si es un atardecer predominarán los naranjas, si es noche o está amaneciendo las tonalidades cambiarán a azules. La iluminación debe ir acorde con el guión y la escenografía.
Vestuario – Es lo que va a vestir al personaje. El actor deberá portarlo como parte de su representación ya que complementa la imagen de éste en sus movimientos.
En caso de que sea parte de la obra también puede ir acompañada de música y/o coreografía (en algunos casos, estos elementos son indispensables cuando se trata de teatro musical).
RESUMEN
El teatro nació para ser contemplado. Dentro de la literatura pertenece al género dramático, por lo que quien escribe teatro recibe el nombre de dramaturgo.
En su estructura literaria puede ser analizado bajo los tres niveles que son: informativo, ideológico y estilístico. No obstante, como parte de las representaciones escénicas debemos tomar en cuenta la dirección de escena, el vestuario, la escenografía, iluminación, proyección escénica del actor, la coreografía y la música. Elementos que le vana dar la forma y lograrán que la historia viva en el escenario.
FUENTES:
GONZÁLEZ, Sonia. Expresión Oral y Escrita II. Éxodo. 2009. 291 p.
AYALA, Leopoldo. Comunicación Oral y escrita. Nuevo Siglo. 2006. 313 p.
MAQUEO, Ana María. Español 2, Lengua y Comunicación. LIMUSA. 2004. 247 p.
ANÓNIMO. Popol Vuh. FCE. 1972. 180 p.
MENTON, Seymour. El Cuento Hispanoamericano. 2007. 9ª edición. 757 p.
SARAMAGO, José. La Isla Desconocida. Punto de Lectura. 2002. 62 p.
BOAL, Augusto. 200 Ejercicios y juegos para el actor y el no actor con ganas de decir algo a través del teatro. CEVA. 121 p.
[1] S. González. Expresión Oral y Escrita II. Éxodo, 2009, p. 15
[2] Cfr.-Ibídem.
[3] L. Ayala. Comunicación Oral y Escrita, Nuevo Siglo, 2006, p. 93
[4] Cfr.-Ibídem.
[5] A. Maqueo. Español 2, Lengua y Comunicación. LIMUSA, 2004, p. 27
[6] Cfr.- S. González. Op. Cit.
[7] Íd. P 78.
[8] S. González, Op. Cit. p. 79
[9] L. Ayala. Op. Cit. p. 178.
[10] Cfr.- A. Boal. 200 Ejercicios y juegos para el actor y el no actor con ganas de decir algo a través del teatro, CEVA, 121 p.
[11] L. Ayala. Op. Cit. p. 180.
LECTURAS DE UNIDAD 2
UNIDAD 2 – ARTES CORPORALES Y AUDITIVAS
Por: Saraí Torres Robledo.
ARTES CORPORALES– La danza
Introducción
Como ya revisamos antes, la expresión artística puede desarrollarse en una multiplicidad de formas. Mismas que se adaptan al momento histórico, alcances, elecciones y gustos de quienes las desarrollan. A la par de las artes plásticas se desarrollaron otras formas de expresarse como la corporal y auditivo.
En la antigüedad, la danza retomaba un carácter ritual – religioso. Las antiguas civilizaciones desarrollaban movimientos sincrónicos y coreografías básicas en pos de la adoración de un Dios o el desarrollo de un ritual (ofrecimiento de ofrendas, peticiones, celebraciones, entre otros).
La danza es tal vez una de las artes más antiguas, no obstante, ha resultado ser un modo de expresión artística difícil de definir tanto para especialistas teóricos, críticos y hasta danzantes, por el contexto mismo en que ésta fue generada.
Mientras unas sociedades la danza sólo era un medio de expresión (simbólico o no), en otras como la egipcia, la danza comenzó a adquirir una connotación más “formal” en la medida en que las técnicas de interpretación fueron haciéndose más elaboradas al grado de que requerir especializarse para cierto tipo de danzas.
La danza “…consiste en mover el cuerpo guardando una relación consciente con el espacio…”[1]. Hasta este momento, todo pareciera indicar que cualquier persona puede bailar, pues siempre que nos movemos al realizar este acto buscamos que haya esa sincronía de nuestros movimientos con la música.
No obstante, este acto adquiere una connotación artística en el momento en que no sólo nos movemos en relación al ritmo sincrónico espacio-música, sino que damos el paso para dotarlo de significados: es decir, aquella significación que los movimientos desatan.
Tras esto último tenemos entonces que una de las definiciones de la danza es el movimiento y la coordinación del cuerpo, peo lo es también la parte interpretativa en la que el ejecutante le da vida o un motivo (significado) a los movimientos que está realizando. ¿Qué motivó al danzante a mover un brazo de tal manera y no sólo el seguimiento de un compás?
La técnica en la danza son todos aquellos recursos corporales (de desarrollo y de ejecución en forma) que le van a dar un valor estético a toda interpretación estética.
Ante lo anterior, podemos establecer que la interpretación conlleva otro nivel de expresión dancística ya que se refleja en el grado de acercamiento o alejamiento entre el público y lo que está comunicando el ejecutante[2].
Para la técnica basta con un entrenamiento constante y arduo en el que el novel ejecutante comienza a, desde la técnica, darle matices Desde que una persona decide estudiar la técnica y empieza a trabajar sobre ella comienza a darle matices a la interpretación; es decir, deja de ser un bailador para convertirse en un bailarín o ejecutante de danza.
La danza es técnica e interpretación, si falta alguna de estas dos características es únicamente baile. No obstante, hay interpretaciones que rebasan la calidad técnica, convirtiéndose en ejecuciones con un peso interpretativo que desplaza el requerimiento formal de lo técnico. Sin embargo, una técnica limpia con falta de interpretación desembocará en un simple espectáculo ‘bonito’[3].
Como ya revisamos, la técnica le va a dar recursos al bailarín para que desarrolle movimientos de manera más estética. Es la técnica lo que le va a dar al bailarín la fuerza, el tipo de cuerpo y de interpretación al ejecutar una coreografía.
La danza clásica se ha configurado como la danza básica (aunque no quiere decir que sea la única) ya que es éste el que da las bases y forma el cuerpo para cualquier interpretación posterior que se quiera realizar.
Dentro del ballet clásico algunas de las técnicas más conocidas son[4]:
-Técnica Rusa- Ésta es la que tiene más años de estudio. Su técnica es la más estructurada y detallada, se busca lo más allegado a la perfección en la ejecución de movimientos. Busca la formación de cuerpos que se diferencien entre los femeninos y masculinos pero éste último se busca que sea más ligero, casi etéreo, sin perder la masculinidad.
- Técnica Americana- Busca que los bailarines tengan fuerza pero haya un equilibrio con la ligereza de sus movimientos. No es tan estructurada como la técnica rusa. Se basan más en la estética de las coreografías que en la fuerza de la interpretación.
-Técnica Cubana- Busca cuerpos muy fuertes ya que incluso, en el caso de las mujeres, su cuerpo tiende a la masculinidad. Interpretaciones con mucha fuerza en los movimientos.
La técnica va a determinar la calidad estética con la que una coreografía es ejecutada, la cuál deberá complementarse con un nivel de interpretación que haga eco del mensaje que se quiere transmitir.
¿Recuerdas algún evento dancístico que hayas visto y te haya llamado la atención por la calidad de sus movimientos y algún otro por el mensaje (sentimientos) que logró transmitirte? Redáctalo en por lo menos media cuartilla y detalla los porqués de tu impresión.
En la danza, la técnica y la interpretación van a responder a una serie de rasgos propios que le dan a cada ejecución una característica específica. Según esta premisa, los géneros dancísticos son los siguientes:
Danzas Autóctonas: Son aquellas danzas que aún se practican en muchas comunidades y que han conservado sus elementos originales: pasos, ritmos, vestimentas, espacios, etc.[5]
Estas danzas no son mero espectáculo ya que forman parte del desarrollo de una cultura. El valor de estas danzas reposa en la tradición y el contenido histórico, social y cultural que éstas encierran.
Danzas Populares: Representan a un sector más amplio que responde a la actividad casi nata de bailar en la que un grupo de personas se reúne para socializar y cohesionar sus relaciones sociales por lo que esta actividad se convierte en un punto de convergencia social.
Según su desarrollo a lo largo de la historia, las danzas populares van recogiendo una serie de características como el por qué de su ejecución, el lugar (campo o ciudad), formas de vida, entre otros que las configura en:
Danzas folklóricas o regionales: La diferencia entre estas danzas y las autóctonas radica en que expresan directamente actitudes existenciales, formas de vida y de organización, así como ideas morales y religiosas[6]. Las danzas folklóricas se refieren a la raíces, es decir, a una historia ligada a un pueblo.
Danzas populares urbanas: Son aquellas que nacen en las ciudades a partir del ‘aclimatamiento’ a los sistemas de vida urbanos. Respondiendo a la dinámica citadina, las danzas urbanas se diferencian de las folklóricas porque son tendientes a la individualización en su ejecución aunque son da fácil proliferación ya que son tendientes a la imitación. Ejemplos de este tipo de danza son la salsa (incluso con sus diferentes modalidades: en línea, casino, fantasía), cumbia (texana), quebradita, polcas incluso el danzón.
Dentro de sus coreografías relatan hechos de su comunidad o país. Un ejemplo de esto son las polcas, mismas que en su inicio se configuraron para burlarse de las personas pudientes de la sociedad mexicana o el caso del folklor ruso, del cual surgió posteriormente el ballet[7].
Por tanto, las danzas folklóricas se vuelven parte de la identidad de un estado o país
Otros géneros dancísticos que se estructuran a partir de la ‘formalización de su técnica’ son: el Clásico, el cuál es la base de prácticamente todas las danzas ya que forma y construye el cuerpo del bailarín. Le da conciencia sobre su cuerpo y de la relación de éste con el espacio el ritmo. Busca el volver al cuerpo etéreo. Es la rama más difícil ya que la técnica debe ser pulcra.
La danza contemporánea es la parte abstracta de la danza en la que los interpretantes buscan darle un significado simbólico a los movimientos corporales. Se abre a la experimentación de ritmos.
Por último, la danza moderna se basa en movimientos más superfluos ya que se centra en el seguimiento del ritmo sin la búsqueda de la justificación de las coreografías.
ARTES AUDITIVAS – La música
La música es la combinación de sonidos y silencios organizados de tal forma que conjuguen armonía, tiempo y ritmo[8].
El músico Claude Debussy[9] se refiere a ella como un total de fuerzas dispersas expresadas en un proceso sonoro que incluye el instrumento, el instrumentista, el creador y su obra. A esta obra se le asigna un valor espacial (textura), temporal (ritmo), témporo-espacial (forma)[10].
Cuando nos acercamos a una obra musical ponemos en prime instancia nuestra sensibilidad auditiva. Captamos el ritmo, la forma en que es presentada, los tonos y aquellos elementos que inmediatamente nos empiezan a remontar a un estado de ánimo o evocación.
¿Te has preguntado por qué una pieza musical despierta en ti recuerdos o vivencias?
Probablemente te hayas identificado con alguna pieza más cercana a tu realidad. ¿Recuerdas la definición de mímesis? Toda obra nos causará mayor o menos impacto dependiendo del grado de mimesis que tenga con nuestra vida diaria.
Nuestras experiencias también van a determinar la forma en que apreciemos una obra musical; por ejemplo: si te encuentras enamorado, vas a sentir una inclinación por escuchar canciones que hablen de amor. Por el contrario, si acabas de sufrir una decepción amorosa, la temática de las canciones que te acompañarán será de desamor.
La música ha servido también como acompañante no sólo de individuos sino del desarrollo de las sociedades. A cada momento histórico ha correspondido el desarrollo de objetos artísticos; la música no es la excepción. Un ejemplo de esto es el desarrollo de la música punk, la cuál tuvo su gestación a mediados de los años 70 junto con el movimiento social del mismo nombre. La característica principal de este género musical eran los compases y composiciones simples y lineales, los cuales fueron evolucionando. La voz era estruendosa y la temática de las letras hacía frente a la rigidez de la sociedad de esa época como parte de la opresión social y cultural que sufrían los jóvenes.
Si analizamos la música actual y la comparamos con la de otras épocas, podemos darnos cuenta que cada momentos histórico marcó el tipo de música y la temática de las canciones.
Otro aspecto que debemos tomar en cuenta cuando apreciamos una pieza musical es la complejidad de la composición, es decir, cómo fue escrita la misma. Como ejemplo podemos escuchar música jazz, género musical en donde impera la capacidad de improvisación interpretativa por sobre la lectura o escritura de partituras. Sin embargo, también se destaca la complejidad interpretativa (y compositiva, ya que sí hay composiciones de este género).
¿Recuerdas alguna pieza musical que te haya impactado por la complejidad de su ejecución? ¿Qué emociones te transmiten estos tipos de piezas?
Con todo esto, podemos darnos cuenta que la música ha influenciado la vida auditiva del ser humano en una multiplicidad de formas. Ya sea como acompañante musical, , como parte de los procesos de cambio de las sociedades e incluso como parte importante de las expresiones simbólicas de pueblos y tradiciones.
Bajo lo anterior podríamos decir que la música cumple con diferentes objetivos: primero, el de acompañar la expresión de emociones y sentimientos, es decir, el comunicar lo que el compositor está sintiendo. Segundo, el de formar parte de las expresiones culturales de una población, tal es el caso de la música regional, en donde la pieza musical forma parte de la identidad de una región. Tercero, como vehículo del cambio, esto es, que la música forma parte de los acontecimientos sociales y muchas veces es portador de ideas transformadoras.
RESUMEN
La música no sólo son sonidos sino la combinación de éstos con el silencio mismo. Para la formación de una melodía contamos con elementos como el espacio, ritmo y tiempo, los cuales se conjugan para crear una relación armoniosa entre las notas.
La música nos acompaña y sirve como vehículo de nuestras emociones. Nos transporta auditivamente a otros momentos de nuestras vidas y nos recrea espacios sonoros diversos según nuestra experiencia y la composición que cada pieza musical tenga.
Podemos identificar que la música es creada para expresión llana de sentimientos, como parte de la expresión cultural o como vehículo ideológico en los cambios sociales. Según sea el caso, cada composición va a adoptar diferentes características tomando en cuenta también al compositor, el género y el cómo se construye o bajo qué cultura se está desarrollando.
FUENTES:
DALLAL, Alberto, Cómo acercarse a la danza. México, Plaza y Valdes, 1992, 154 p.
CANCLINI, Néstor, Arte popular y sociedad en América Latina: teorías estéticas y ensayos de transformación, México, Grijalbo, 1977, 287 p.
ZAMBRANO, Alberto. Bailarín Ejecutante de Danza Contemporánea. Director del Ballet Folklórico Raíces Latinas México. Entrevista realizada el 25 de Enero de 2009.
TORTAJADA, Margarita. Investigadora de Danza del INBA y Catedrática de Historia de la Danza en la escuela Ollin.
ROBLEDO, Angel. Músico. Primera Guitarra del grupo ‘Voces Libres’. Entrevista realizada el 17 de Febrero de 2009
KÜHN, Clemens. Tratado de la forma musical, Barcelona, Labor, 1992, 258 p.
DEBUSSY, Claude. El Señor Corcheta y Otros Escritos. Madrid, Alianza Editorial, 2003, 292 p.
[1] A. Dallal, Cómo acercarse a la danza, México, Plaza y Valdes, 1992, p. 12.
[2] A. Zambrano, Bailarín Ejecutante de Danza Contemporánea. Director del Ballet Folklórico ‘Raíces Latinas’. Entrevista realizada el 25 de Enero de 2009
[3] Ibídem
[4] Ibídem
[5] A. Dallal, Op. Cit. p. 55
[6] Id., p. 63
[7] A. Zambrano, Op. Cit.
[8] A. Robledo. Músico. Primera Guitarra del grupo ‘Voces Libres’. Entrevista realizada el 17 de Febrero de 2009
[9] Cfr.- C. Debussy. El Señor Corcheta y Otros Escritos. Madrid, Alianza Editorial, 2003, 292 p.
[10] Cfr.- C. Kühn. Tratado de la forma musical, Barcelona, Labor, 1992, 258 p.
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